MUBI

Tout commence avec des mimes qui s’amusent à mettre un petit bordel (gentiment) dans la ville là où un photographe ressort d’un asile dans le même temps. Après s’être croisés, on va suivre ce photographe. Antonioni s’amuse à filmer avec lourdeur, couche après couche, des séances de photos et des femmes sans âmes aux allures de putes qui ne pensent qu’à baiser, sans cervelles dans la plupart des cas. On se demande quand est-ce qu’arrive enfin notre intrigue, pour suivre le fameux photographe dans un parc et ô miracle, voir enfin ce couple dans le parc (à noter que le synopsis sur le DVD nous dit que ce couple fait l’amour. Sûrement une tentative de vouloir faire attendre un spectateur un peu plus pervers ou vicieux comme le photographe mais non, ils ne font que s’embrasser!). Après ça, j’ai compris avoir été eu sur la marchandise et le film m’a servi, presque tout le temps de fond sonore tant mes yeux regardaient partout ailleurs. Antonioni filme des jeunes qui fument. Antonioni filment des femmes qui baisent pour pouvoir poser, Antonioni filme le photographe dans le parc, Antonioni nous fait simplement le bon film pour bobo gauchiste hippie, nostalgique des années 70 ou qui aurait voulu y vivre. Alors, c’est vrai de temps en temps, quelques interrogations sur le pouvoir de l’image mais rien de plus. Pour en revenir aux acteurs, je m’étais bien dit avoir vu la tête de David Hemmings quelque part et en regardant sa filmo, il a joué dans… La charge de la brigade légère, où décidément, il aura mal choisi ces films le pauvre (car j’ai rien à redire contre lui, il m’a pas dérangé). Au moins, il est pas comme Léaud, il est mélancolique, rêveur, a envie d’autres choses mais il la ferme.

I saw this film because of the hype. I later found out it was based on one of my favorite short stories from my favorite author, Julio Cortar. After watching the film I have to say it was a complete let down.The film tries to come off as a deep portrayal of narcism and how vanity renders people emotionless and detracted from reality. The film is known for its lack of resolution (something borrowed from Cortazar) and its focus on design and cinematography over character which is something that could not stand on its own and is only bearable(I agree with previous comment that the film is a test of patience) due to an original premise (also borrowed from cortazar).

It had a nice use of color, and 2 memorable scenes, the first photo shoot which the model carries on her shoulders and the band scene which really does not fit well with the rest of the film. This is pretty much all the film has to offer, which are things that have been done before in better ways.

However I understand that just because it borrowed the premise from a great, original and well written story it got famous. The film doesn’t come anywhere near the greatness of the original story which is the true master piece, so much so that a mediocre film in the outskirts of its shadow is considered great by many. At the end its really more of an insult than an homage to the inspiring idea.

Esta es una de esas películas que le sirven al cine para hacerse más grande y complejo. Es un aporte al cine. En el mundo que éste abarca, dentro de toda su extensión, hay un espacio en el que los grandes cineastas depositan visiones, porque cada gran película es en sí un acto de ver llevado a cabo en toda su plenitud. Cada una de ellas es una puesta a prueba de la existencia de una visión de algo real del mundo, o un pensamiento expresado en una configuración de imágenes. En Blowup, Antonioni nos hace ser testigos de la vulnerabilidad de la técnica fotográfica y cinematográfica. Es una gran película porque todo su “mensaje” o su “significado” no esta inserto burdamente en la resolución de la narración o el desarrollo de la narración, sino que todo su contenido surge a partir de que percibamos el acto de ver que esta propone. Y lo que la hace aún mejor, es que este “mensaje” o “significado” sea solo “ve”. El problema planteado por Antonioni es el siguiente: el fotógrafo que se encarga de manipular la imagen ha hecho todo menos ver. Ese todo es el que la película condena, y es el causante de la ausencia del ver. El todo aquí sería la búsqueda de captar una realidad, o hablar de ella, reflexionarla, tenerla, lo que sea, desde una técnica. El cine o la fotografía no son nada cuando son una técnica, éstas son áreas totalmente imperfectas, porque la imagen análoga que obtenemos está necesariamente cargada de una ambigüedad de la que no nos hacemos cargo, al igual que David Hemmings no se hace cargo. Hay una fisura en la imagen a la cual nunca podemos acceder y Antonioni configura nuestro acto de ver la existencia de esa fisura (personificada en el muerto), porque el parque no es el mismo cuando lo vemos por segunda o tercera vez. La imagen está ahora más cerca de su pureza en tanto imagen, porque a partir del acto de ver que Antonioni propone, la imagen se aleja cada vez más de un simple nexo narrativo de un pensamiento “dicho”. El pensamiento está “expresado” siempre que le sea posible al espectador atestiguar aquello que se está desarrollando ante sus ojos. Y lo que se desarrolla ante sus ojos no es nada más que una sucesión de imágenes en el tiempo de la proyección, y bajo la autoría de alguien. A diferencia de esto, los tardíos intentos de David Hemmings por reconstruir aquello a lo que llegó demasiado tarde (porque no tenía asimilado correctamente el acto de ver), sólo consisten en una serie de reencuadres de aquello por lo que no se responsabilizó (de alguna forma, esto representa lo que los malos directores de cine viven haciendo, películas sin ver). El fotógrafo logra armar una especie de secuencia cinematográfica de lo que no vio, y desde una posición que nunca tomó. Ahí esta la trampa del cineasta. Blowup es la puesta en escena de esa diferencia. Antonioni encuadra las primeras imágenes del parque para nosotros, es decir, las convierte en planos de su película porque es él el que en realidad esta armando ese acto de ver para nosotros. La posición de Antonioni entonces sólo puede estar en el parque, y en ese primer momento. Es la que reconoce la presencia de la fisura, y que a través del desarrollo de esa diferencia la pone en escena y la explica. Nos hace ver que existe. Al final de la película la “materializa” en narración con el movimiento de la cámara sobre el espacio vacío y con el sonido de la pelota de tenis. Pero en realidad, lo más importante de esta secuencia final es el hecho del regreso de los mimos que vimos al principio del film. Estos mimos son los que al principio nos “dijeron” en su montaje paralelo que David Hemmings era un obrero pobre saliendo de una fábrica, y no un fotógrafo exitoso. Los mimos al final de la película nos hacen ver que eso que se nos dijo al principio era así de frágil por ser imagen, y de esta forma se explica su repentina desaparición de la historia (las primeras escenas del film les otorgan una posible importancia que es olvidada cuando nos enteramos que David Hemmings no es pobre). Nuestra forma de ver no debería ser la misma después de Blowup.

To people who have trouble with this film:

It’s simple and not overly complex, so there’s the good news.

It’s a film about individual perspective. Seeing what you want to see e.t.c. And cinema is just that. Like the shower scene in Pyscho for example. Basically, it’s a study of the power of the camera with a human perspective.
The final scene with the tennis game is the point exactly. We see a tennis game being acted out – without actually seeing a ball. The camera remains static and motionless. Then, suddenly, we start to ‘see’ a ball – but only when the camera tells us so – by moving in a handheld way. Another interesting point to raise here is the scene just after Thomas has gone back to the park – this time at night – to see if there is actually a dead body. He finds one. Then he goes to the party to find his agent. Why? Because our individual perspectives require confirmation to validate our reality. And when he returns, the body has gone…

So, who has the power there? Are we all just an illusion to the camera? Hence, the final dissolve of the main character at the end. Antonioni was a true master of film, not as a medium, but as a langauge – much like Wong Kar-Wai. So don’t watch this film looking for a story. Simply watch it as images and sound and then go for a walk, alone through a park.

People are going to give me shit for this, so here goes nothing . . .

What a let down. I’ve been looking forward to seeing this film for a while so I decided to rent it from my college’s library. The only other Antonioni film I have seen was Red Desert, which I enjoyed, so I had high hopes for what is considered the best film he ever directed.

This movie is slow as fuck. I wanted to like it really badly but I just couldn’t. For a span of fifteen minutes the only mildly interesting thing that happened was the fact that our main character bought a boat propeller. On the other side, I do like the whole “perceived perception” idea, which is made apparent at the very end when he’s standing in the field hearing the tennis match.

Meh. I understand it’s place in history, but I found it to be somewhat overrated. Or dated. Probably both. I’ll give it another viewing someday.

(Originally written February 26, 2005)

The mystery of Blowup is what makes the film so intriguing. The film’s editing and images are mesmerizing. The film is perfectly constructed with the details in the right place. This 1967 film takes place in Mod England. A bored fashion photographer is living his life, hating women and holding suggestive photo shoots while on top of the girl with an overtly long camera lens in his hands. This comically phallic imagery helps to establish the intimate relationship between the photographer and the subject that propels this story forward. His life is uneventful until he thinks he might have unknowingly photographed a murder. This murder mystery is, sometimes randomly, integrated with a portrayal of 1960s England that seems almost irrelevant. In the middle of the investigation, two girls come to have their pictures taken and what results is the infamous “orgy.” This scene seemed entirely out-of-place, and, before the end of the film, and I was a bit puzzled at what director Michelangelo Antonioni is trying to say. The story is reminiscent of realized that this could be like W.H. Auden’s “Musee de Beaux Arts” and Breughal’s painting of Icarus. Perhaps Antonioni is saying that amidst all the sex and drugs, no one cares about something as seemingly insignificant as a murder, too caught up in the little things they do. That makes the protagonist of the story unique, that he is so full of passion for what he is doing. After the film, Antonioni is expressing that the world, for the most part, is boring. The things that really interest us are, in fact, the things that do not exist. The ending of the film with the invisible tennis ball reveals how our passions and the pleasures of life are found dancing the thin line between reality and the illusions in our minds.