Los siete videos que componen la serie de Guinea Pig pueden considerarse como una especie de equivalente nipón de el celebre programa televisivo Hora Marcada (todo un semillero de futuros talentos del cine mexicano), aunque, como suelen acostumbrar estos japoneses, mucho más pasada de verga que su contraparte mexicana. La principal caracteristica que distinguen a estas "maravillas" es la violencia gráfica, gore y explicita de cada uno de los episodios, algunos grotescamente entretenidos, otros una soberana mamada. Esta Flowers of flesh and blood es quizá el más famoso (y sangriento) capitulo de toda la serie. La "historia" se centra en un psícopata quién, enfundado en una armadura de samurai, somete a una joven mujer para después filmar con su victima una cinta snuff. Durante los poco más de cuarenta minutos que dura el video se nos muestra a detalle y sin escatimar los litros y litros de sangre y visceras regadas por todos lados el secuestro, las torturas inflingidas y los posteriores asesinato y descuartizamiento en primerisimos planos del cuerpo de la mujer, cuyas partes desmembradas terminarán formando parte de la colección personal de miembros humanos del orate. Como se desprende de la anécdota anterior, esta madre (supuestamente basada en una filmación snuff verdadera, según cuentan los "visionarios" productores) no se trata de ningún modelo de complejidad narrativa ni mucho menos. Sin embargo, su interés escapa a lo estrictamente cinematográfico, ya que el video cobró relevancia (entre otros hechos a su alrededor), después de que el a últimas fechas controvertido actor Charlie Sheen tuvo la oportunidad de ver el film y el pendejo se fué con la finta de que se trataba, efectivamente, del registro en vídeo de un asesinato real (seguramente las lineas de coca ingeridas no le permitieron distinguir lo falsote de las protesis de plástico y la sangre de utileria) , lo que motivó a que se abriese una investigación en contra del director Hideshi Hino y los productores por parte del FBI y las autoridades policiales japonesas, quienes se vieron obligados a demostrar que todo el asunto era falso. (Lo que, por supuesto, no dejó de representar en su momento una excepcional publicidad para la cinta.) Ni hablar. En todos lados se cuecen habas.

Una curiosa muestra de cine vintage fantástico japonés, en el qué el director Shozo Makino llevó a la pantalla grande un capitulo de las aventuras del personaje titular (una especie de equivalente nipón de Robin Hood, con la habilidad de volar, transformarse en hongo, en rana, o desaparecer a voluntad) muy popular en el folclor literario del país asiatico, y un tema recurrente del teatro Kabuki. Además del ingeniosamente logrado nivel de los efectos especiales y su imagineria visual, este film tiene la importancia de ser uno de los pocos trabajos de Matsunosuke Onoe (uno de los actores más célebres en la historia del cine japonés) que ha logrado perdurar hasta nuestros días.

" El cine es sustancial y naturalmente poético, por numerosas razones: porque es onírico, porque esta muy próximo a los sueños, porque es una secuencia cinematográfica y una secuencia de recuerdos o de imágenes soñadas con poesía profunda. Un árbol fotografiado es poético, un rostro humano fotografiado lo es también porque lo físico poético en si mismo, porque es una aparición, porque está lleno de misterio, de ambigüedad, de sentido polivalente: incluso un árbol es un signo en un sistema lingüístico. Pero ¿quién habla a través de un árbol? Dios, o la realidad misma. De ese modo, el árbol como signo nos coloca en comunicación directa con un misterioso interlocutor. Así, el cine, por medio de su reproducción directa de los objetos físicos, es sustancialmente poético. Este es un aspecto del problema, digamos prehistórico, casi pre-cinematográfico. Después de eso tenemos el cine como un hecho histórico, como un sentido de comunicación, y como tal también ha comenzado a desarrollarse hacia diferentes sub-especies como los media. Así como la literatura tiene un lenguaje [lingua] para la prosa y un lenguaje [lingua] para la poesía, así los tiene el cine. En este caso uno debe olvidar que el cine es naturalmente poético porque es una especie de poesía, repito, prehistórica, amorfa, innatural. Si uno ve un fragmento del más banal western o cualquier viejo filme comercial, si uno los mira de un modo no convencional, incluso películas como esas revelan la cualidad onírica y poética que yace física y naturalmente en el cine; sin embargo, eso no es un cine de poesía. El cine de poesía es el que adopta una técnica particular, del mismo modo en que un poeta adopta una determinada técnica retórica cuando escribe en verso. Si uno abre un libro de poesía, inmediatamente podemos ver el estilo, los ritmos, la puntuación...: vemos el lenguaje [lingua] como un instrumento, podemos contar las sílabas de un verso. Lo que uno ve en un texto de poesía podemos verlo también en un "texto de cine", a través de los "estilemas", por ejemplo los movimientos de la cámara y el montaje. Así que bajo esta consideración, el que hace películas es necesariamente un poeta. " — PIER PAOLO PASOLINI.

La vida de Sugiko, quién trabaja como mesera en un pequeño café, da un giro de 180° cuando es atropellada accidentalmente por un acaudalado hombre de negocios, quién decide hacerse cargo de la recuperación de la muchacha, con el consiguiente romance y problemas entre ambos. Detrás de su apariencia de logrado entretenimiento melodramático, este cinta de Mikio Naruse (su última película silente) resulta una corrosiva mirada critica a las desigualdades y el entorno social del Japón de los años 30.

Un trabajo temprano de Mikio Naruse, en el que se narra la historia de una mujer, la cual presta sus servicios como anfitriona en un antro de poca monta. Dueña de un recio carácter y un cinismo aparente, en realidad, se trata de la amorosa madre de un niño enfermo, quién no sólo debe lidiar con su difícil situación económica y laboral, sino con el repentino regreso del padre del niño. Un estupendo film de Naruse, y una buena muestra del dinamismo y habilidad característicos del director durante su etapa silente.

Una fastuosa producción de época (sobre el trágico destino de María Antonieta y los inicios de la revolución francesa) que reúna en una sola película a Virginie Ledoyen, Diane Kruger y Léa Seydoux (la fría asesina a sueldo de Misión Imposible 4), sencillamente no puede tener desperdicio.

Suele decirse que el principal mérito de los artistas es copiar el trabajo de otros (ya sea para lograr algo mejor, o para, sencillamente, darle en la madre a los logros del original). Como quedo demostrado en su anterior trabajo y opera prima El Cuervo, el director egipcio-canadiense Alex Proyas hizó patentes en este su segundo largometraje un evidente gusto por el cine fantástico, así como la lograda asimilación de las influencias barroco-expresionistas de cintas consideradas clásicas dentro del género como Blade Runner y Metropolis; este proyecto personal del realizador (filmado en el año de 1997) pudo ser llevado a cabo despues de muchas dificultades y desaveniencias creativas de Proyas con los diferentes estudios a los que les fue ofrecido (Fox, Universal, Paramount) quienes consideraron como muy oscura la visión de Proyas y una historia, según el limitado cociente intelectual de los ejecutivos de dichas casas productoras, que podria ser dificil de entender para el gran publico. Proyas consiguió finalmente el apoyo de New Line Cinema para rodar el film, teniendo la suerte de rodearse de un eficiente cuadro de actores (eficiente, si, aunque ninguno de ellos, exceptuando quizá a William Hurt, de peso alguno en la taquilla) para encarnar a los personajes de la película: Rufus Sewell (quién, a extraña excepción de este film, siempre ha sido encasillado en papeles de villano), una pre-galardonada con el Oscar Jenniffer Connelly, un en ese entonces ajonjolí de todos los moles Kiefer Sutherland, etc.); el realizador pudo concluir el rodaje a finales de ese año (1997), sin embargo, para su desgracia, el 97 fue también el año del lanzamiento de Titanic de James Cameron, por lo que los productores del film decidieron no correr riesgos y retrasaron el estreno para el año siguiente. No obstante el entusiasmo de algunos pocos ejecutivos quienes le veian al resultado final buenas oportunidades de convertirse en un exito comercial, la gran mayoría no compartía dicho entusiasmo, ya que además de la presunta "intelectualidad" excesiva del asunto, entre otros peros, se daban el lujo de calificar al producto como creativamente poco original (quizas por el inmenso parecido de los alienigenas del film con los Cenobites de la saga de Hellraisser, de Clive Barker) y obvio por momentos, lo que les llevó a promocionar la película como un film de terror y, según afirma Proyas, esta decisión provoco que el publico para quién se hallaba dirigida desde un principio (los seguidores de la ciencia ficción) ignorasen de su estreno, mientras que, a los ojos de aquellos otros amantes del cine de horror les pareció una cosa demasiado ligera, esto aunado al entonces poco atractivo reparto (en un principio se consideró a Johnny Deep para el papel principal, lo que quiza hubiese ayudado a alivianar el desastre) y a una incorrecta promoción, lo que, por consiguiente, trajo como consecuencia el que el film se convirtiera en un sonado y rotundo fracaso. Paradojicamente, un año despues, se llevaria a cabo el estreno de otra cinta de ciencia ficción, patrocinada por uno de los estudios que rechazó el proyecto de Proyas, el cual ademas de ser un taquillazo en el mundo entero, pronto devino en pieza de culto instántaneo. Por supuesto, nos referimos a The Matrix, de los hermanos Andy y Larry (hoy Lana) Wachowsky, quienes con este proyecto saltaron a las grandes ligas y obtuvieron la fama y el reconocimiento de parte de legiones de admiradores alrededor del mundo…no obstante, hay algo que estos jamas van a reconocer (y posiblemente, el mismisimo Alex Proyas lo niegue amablemente) y es que, salvo obvias diferencias en cuanto a la magnitud presupuestaria y algunos ligeros cambios en las situaciones, la trama de The Matrix es practicamente la misma de Dark City. Las similitudes saltan a la vista: un mundo que se mueve en una (falsa) realidad aparente; un hombre común que de un día para otro resulta ser el elegido de los dioses para salvar al mundo; un mentor el cual le mostrara el camino para encontrarse consigo mismo y lograr vencer al adversario; las maquiavelicas mentes detras de todo el engaño, etcétera,etcétera. Sin embargo, el tiempo ha transcurrido beneficiosamente para la presente cinta, la cual logró encontrar a su público correcto a través del vídeo casero, por lo que la película, al cabo de un tiempo, pudo ser justamente revalorizada, elevada al estatus de filme de culto y su autor, si bien no ha logrado ser considerado uno de los referentes del cine fantástico actual, al menos no se le puede dejar de reconocer el ser poseedor de una efectiva y depurada estilización en la puesta en escena y su gran habilidad para crear entornos visuales (y anecdóticos) fascinantes, algo un tanto difícil de apreciar en este Hollywood nuestro de cada día.

Tomando no muy lejanamente como punto de partida la figura del actor Douglas Fairbanks, este cuarto largometraje de Michel Hazanavicius narra la historia de George Valentin (Jean Dujardin) una exitosa y engreída estrella de cine mudo de finales de los años 20, quién se encuentra en la cúspide de su carrera, con productores de Hollywood y fanáticos incondicionales rendidos a sus pies. En su camino se cruza de manera incidental Peppy Miller (Bérénice Bejo), una joven y carismatica bailarina quién, como muchas otras, sueña con labrarse una carrera en Hollywood; la atracción entre ambos es mutua, pero el romance no puede prosperar debido a que el actor se encuentra enfocado en sobrellevar la tormentosa relación con su desencantada esposa (Penelope Ann Miller) y en sus problemas profesionales (Valentín se encuentra empecinado en continuar filmando películas silentes, desoyendo las advertencias de su productor Al Zimmer (John Goodman) quén esta convencido de que el cine sonoro está por llegar y hay que adaptarse; mientras el arribo de la gran depresión de los años 30 marca la salida definitiva del cine mudo, el veterano actor ve como los roles se intercambian, ya que atestigua como su carrera se desploma paulatinamente al contrario de la de Peppy, (quién no ha dejado de quererle) cuyo meteórico ascenso la ha convertido en una estrella del cine parlante, una situación que puede acarrear trágicas consecuencias. Reflexión un tanto superficial acerca de la dificíl transición del cine mudo al sonoro, esta cinta fue la gran ganadora de la más reciente edición de los premios Oscar (además del premio a mejor película, se llevo los premios a mejor director, actor, música original y diseño de vestuario) lo que la transformado, sorpresivamente, en sujeto de acaloradas pólemicas, empezando por las exageradas declaraciones de la chocheante actriz Kim Novak, a quién no le causo la menor gracia ver incluida en la banda sonora una pieza de la partitura compuesta por Bernard Herrmann para Vertigo de Hitchcock, pero principalmente entre aquellos espectadores que piensan que esta no es otra cosa que una intrascendente "feel good movie" sobrevalorada en exceso; en ese sentido, es posible estar de acuerdo en que, aunque tenga sus méritos, tanto la propuesta de Hazanavicius de emular aquellos viejos films de los años veinte como la trama (encabronadamente similar a la de Nace una estrella) no son precisamente novedosas. Sin embargo, dejándose de modo saludable a un lado los prejuicios al respecto, este otro nostálgico homenaje al mundo del cine, quizá no resulte una experiencia enriquecedora o especialmente fascinante, pero sí, en cambio, una muy agradable de ver, un "detalle" que, por mucho, siempre tendrá más peso que la densidad a raudales de muchas otras cintas "tan" del gusto de las hordas de cinefilos mamilas que abundan a madres por estos lares.

Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) es una joven de 16 años de edad quién se ve obligada a ejercer ilegalmente la cacería de animales para sobrevivir en una post-apocalíptica sociedad del futuro, dominada con mano de hierro por parte de un régimen totalitario conocido como El Capitolio, el cual, año con año, lleva a cabo un brutal y exitoso reality-show televisivo conocido con el nombre de "Los Juegos del Hambre", cuya mecánica consiste en seleccionar al azar a una pareja de adolescentes de ambos sexos entre los 12 y 18 años de edad pertenecientes a cada uno de los doce distritos dispuestos a los alrededores del Capitolio, para enfrascarse en una lucha a muerte con los demás competidores. Cuando Primrose (Willow Shields) su hermana menor es seleccionada para participar en el evento, Katniss se ofrece voluntariamente a ocupar en su lugar al lado de Peeta Mellark (Joss Hutcherson) su contraparte masculina, en una carrera contra el tiempo, en la que sólo uno de los participantes deberá salir victorioso. Si bien la premisa de esta adaptación cinematográfica de la exitosa novela de Susanne Collins (la primera de una trilogía) puede llegar a sonar interesante, su principal problema (además del hecho de resultar bastante predecible) es que no presenta nada novedoso; entre las multiples "referencias" (por no decir plagios descarados) de los que echan mano tanto la autora del "original" literario como el realizador Gary Ross, la más obvia, por supuesto, es Battle Royale (2000) la delirante y sangrienta película de Kinji Fukasaku; salvo algún par de minimas diferencias, la trama es prácticamente la misma en ambas películas, aunque, como era de esperarse, la versión norteamericana no aprovecha debidamente las posibilidades critico/sociales del truculento asunto y prefiere apostar por la "corrección política", prescindiendo casi por completo de la brutalidad gore y explicíta de la japonesa, sustituyendo las dosis masivas de violencia gráfica, humor negro y mala leche de aquella por una marcada tendencia a las caídas melodramáticas, y cierto dejo de solemnidad durante buena parte del film, dando como resultado un producto que, lejos de ser una demoledora reflexión critica sobre la deshumanización de los medios, los efectos de la guerra y la descomposición del tejido social, se conforma solamente con ser un producto meramente superficial pero atractivo, cuya única aspiración parece no ser otra que marcar el inicio de una nueva y exitosa franquicia (cosa que hasta el momento ha logrado, tomando en cuenta los poco más de153 millones de dólares recaudados durante su primer fin de semana de proyecciones) que venga a llenar el hueco que "dejará" ante los ojos de las audiencias más jóvenes e impresionables el (supuesto) final de aquél otro inexplicable fenómeno de ventas que es la "saga" de Crepúsculo.

No deja de ser interesante (en algunas ocasiones) el ver como la cinematografia francesa recicla y/o reelabora algunos de los temas propios del cine comercial americano, pero con la (mal) sana diferencia de permitirse romper con las barreras de lo "políticamente correcto" y, por si fuese poco, hacerlo en cintas que pueden o llegan a gozar (sorpresivamente) de una amplia corrida comercial. Viólame (fue el titulo con el que se le conoció a esta cosa en México) fue uno de estos casos inesperados en los que una cinta de la cual uno pensaria que por su tipo de contenido, solo podría ser destinada a verse en funciones semi-marginales en algún cine-club perdido por entre los rincones, o bien, en algún changarro especializado en materiales eróticos y/o pornográficos. Lo primero que llama la atenciön de la presente cinta, una especie de mezcla bizarra entre Messidor (Alain Tanner, 1979) Natural born killers (Oliver Stone, 1992) y cualquier película XXX que se les ocurra), es la garra que muestran las directoras Virginie Despentes y Coralie Trihn Thy para manejar en esta, su opera prima, la violencia cinematográfica mostrando una gran habilidad para la puesta en escena (a pesar del restringido presupuesto) y por el tono ajeno a los convencionalismos propios de una "buddie movie" común; en apenas poco mas de una hora de duración, se suceden una tras otra situaciones que oscilan entre lo plenamente transgresor y un deliberado humor negro, todo esto mientras la sangre y el semen salpican la pantalla, a una escala tal, que en comparación, los films de Tarantino parecen cosa de matine dominical; si bien ambas protagonistas (la actriz porno Raffaëla Anderson y la debutante Karen Lancaume) son mostradas al principio del film como unas victimas de su poco agraciado entorno, pronto se hace evidente, tras su primer encuentro, que ambas tienen mucho en común (una ferocidad a flor de piel y un nulo respeto por la vida), tras lo cual deciden abandonarlo todo para embarcarse en un torcido camino de auto-descubrimiento, eso si, dejando tras de si una estela repleta de cadáveres, (cosa que sera difícil de digerir para cualquier buena conciencia o misóginos/ machistas irreductibles, puesto que la gran mayoría de sus victimas son pertenecientes al genero masculino). No conforme con todo esto, las realizadoras presentan una visión para nada glamorosa de la ciudad luz, muy alejada de los clichés acostumbrados por el propio cine francés, en un tono hiperrealista, donde deambulan personajes marginales de aspecto sucio, moralmente ambiguos, que se mueven en un mundo en franco declive de valores éticos y morales,cuyas unicas salidas parecen ser el crimen y la violencia, y es en este sentido que algunas de las escenas o situaciones planteadas en el film alcanzan alturas verdaderamente delirantes (como la antológica secuencia del club swinger, a donde (para mala fortuna de los presentes) acuden las dos singulares protagonistas, quienes después de atestiguar la poco refinada orgía que se esta llevando a cabo en el recinto, masacran con un aterrador desparpajo a todos los participantes, tras de lo cual, a modo de epilogo, terminan por volarle los sesos por el culo (literalmente) a su ultima victima, un pobre pendejete quién cometió el craso error de tratar de abordarlas a su llegada al establecimiento). La pelicula gozó de un notable exito en Francia, no obstante, no dejó de generar controversia por su violencia constante, la escatologia gore y las abundantes y poco sutiles escenas de sexo explicito, lo que motivó a que la pelicula fuese condenada a ser exhibida en el resto del mundo, como ya se menciono lineas más arriba, en circuitos marginales o especializados en corte erotico. (cosa que, curiosamente, en México no sucedió; esta pelicula la vi en los entonces multichiqueros de plaza universidad y, a la fecha, es transmitida por cable sin corte alguno). Seguramente, no estamos ante una gran obra o ante una cinta representativa del cine del nuevo milenio, sin embargo, se trata de toda una curiosidad que vale la pena ser vista, al menos para constatar (por enésima vez) que no todo el cine galo es Chabrol, Resnais o Godard, y para enseñarles a todos aquellos que piensen que el cine hiperviolento necesariamente tiene que pertenecer a terrenos exclusivamente masculinos, ya que siempre puede surgir la posibilidad de que aparezcan por ahí, algún par de recias féminas siempre dispuestas a demostrar lo contrario, arrancándole los huevos de un balazo, sin chistar, a cualquier potencial machín escéptico, o poco precavido.

Un profesor, apasionado de la entomología, busca nuevas especies en la arena de una playa. Al percatarse de la hora, no logra alcanzar el autobús que lo llevaría de vuelta a la ciudad. Un anciano le ofrece buscarle un refugio donde pasar la noche a lo que el profesor, agradecido, accede; al llegar al lugar, desciende confiadamente por una escalera de cuerda donde le espera una solitaria mujer. A la mañana siguiente, el hombre se percata que la escalera de cuerda ha desaparecido, convirtiéndose a partir de ese momento en prisionero de la misteriosa mujer, en un espacio claustrofóbico y opresivo, el cual se halla invadido en todo momento por las interminables oleadas de arena que se cuelan por doquier. Algo de terrorifico y fascinante se hace presente en este insólito trabajo del director Hiroshi Teshigahara; de atmosferas opresivas y pesadillescas con claras reminiscencias kafkianas en el que el realizador, con la mirada propia de un entomólogo, escruta en la psique de sus personajes, quienes atrapados en un espacio aislado del mundo exterior, comparten una situación extrema por la supervivencia, una lucha diaria en la cual, terminan haciendo de la renuncia una forma de conocimiento, en uno de los filmes más desconcertantes, bizarros y atractivos de los años sesenta.

Es probable que esta Isla Desnuda, junto con Onibaba, sea la película más famosa de la carrera del director Kaneto Shindō. Plena de elementos autobiográficos y metáforas visuales, en la que el realizador, prescindiendo completamente de diálogos y haciendo gala, en cambio, de una sobrecogedora mirada tan contemplativa como distante, nos hace participes de las duras condiciones de vida de una familia de pescadores, los cuales se hallan presos en un microcosmos del que no parece existir una salida posible. De lo mejor de Shindō.

Un extraordinario debut del director E. Elias Merhige. (Posteriormente reconocido en circuitos más amplios gracias a su segundo largometraje La Sombra del Vampiro (2000)) A medio camino entre los mundos oníricos del cine de Maya Deren y la truculencia splatter de The Texas Chainsaw Massacre, el film nos muestra una extraña anécdota en la que abundan los simbolismos y las referencias diversas sobre mitos paganos y cristianos, para lo cual, Merhige echa mano de recursos narrativos poco convencionales (total ausencia de diálogos y de una banda sonora, así como un diseño visual con una fotografía en blanco y negro altamente contrastante). Con todo y sus virtudes, esta cinta es sin lugar a dudas una experiencia desconcertante y no apta para todos los gustos, debido a la continua sucesión de escenas de alto contenido gore/sexual, y por su marcada tendencia a la escatología más extrema, algo que puede resultar demasiado bizarro (o francamente repugnante) para algunos espectadores.

Basada en el libro de Rafael F. Muñoz y considerado por muchos como el más brillante de todos, es posible que este tercer y último capitulo de la trilogía de la revolución no tenga la misma riqueza de las otras dos partes debido a ciertos convencionalismos que, aunque manejados con destreza por parte del director, queda la impresión final de que el resultado no es tan contundente como el de los capitulos anteriores. Por supuesto, esto no quiere decir que sea una mala película. El film sue la primera superproducción del cine mexicano (con un costo astronómico para ese entonces de poco más de un millon de pesos, y si en El Compadre Mendoza De Fuentes desmitifica al carrancismo como un movimiento legitimamente revolucionario, Vámonos con Pancho Villa! tiene el mérito de hacer lo propio ni más ni menos que con uno de los grandes mitos del movimiento armado. Al contrario de la visión del caudillo duranguense manejada en cintas posteriores con Pedro Armendariz como una encarnación idealizada del personaje, De Fuentes, por el contrario, procura despojar a Villa de cualquier dejo de heroismo y romance, haciendo patente una mirada antiépica del entorno y las circunstancias alrededor del caudillo, quién no solamente se nos muestra como alguien capaz de sentir cobardía o ejercer una crueldad y violencia nada edificante (como es posible comprobar tanto en el final original como en el misántropo y polémico final alterno), sino que, incluso, mantiene a este al margen de los acontecimientos en la practica totalidad de la cinta, transformando a Villa (brillantemente personificado por Domingo Soler) en una mera presencia incidental y permanentemente distanciada. El film tiene en su haber un par de las imagenes antológicas del cine nacional, como la muerte de uno de los protagonistas, cuyo cuerpo queda recargado sobre una metralleta, o aquel "cameo" del compositor Silvestre Revueltas interpretando a un pianista quién, asustado ante la posible inminencia de un pleito a balazos, cuelga sobre el instrumento musical un letrero con la frase " Favor de no disparar sobre el pianista ".

Arthur Kipps (Radciffe), es un joven abogado, quién es enviado a resolver un delicado negocio a una abandonada mansión ubicada en un pueblo remoto en la Inglaterra de principios del siglo XX. Sin embargo, la presencia en el lugar de un vengativo espiritu femenino (el cual suele inducir al suicidio a los infantes de la región) amenaza la vida de su propio pequeño hijo, lo que obligará a Kipps, en una frenetica carrera contra el tiempo, a tratar de encontrar una solución al terrorifico asunto. A pesar de su lograda atmosfera (muy propia de los films de la Hammer) esta nueva adaptación cinematográfica de la obra original de Susan Hill enfrenta varios problemas capitales. Desde el inicio y hasta el termino de la proyección, uno no puede dejar de sentir la incomoda sensación de ya haber presenciado la misma mamada en infinidad de ocasiones anteriores: toda la pinche película es una acumulación de clichés y lugares comunes propios del genero,filmados de una manera por demás rutinaria. Por otra parte, la presencia de Daniel Radcliffe (en su primer rol "importante" tras su participación en la franquicia de Harry Potter) no resulta ningún aliciente ni tampoco hace mucho por mejorar la cosa.

Las dos estrellitas se las pongo únicamente por Jennifer Conelly, me cae...

Ubicado en el año de 1937, durante la ocupación japonesa de la ciudad de Nankín, China, el film narra la historia de un cínico y valemadrista embalsamador norteamericano (Christian Bale) el cual ha sido solicitado para prestar sus servicios en un colegio católico para niñas del lugar, quién después de atestiguar horrorizado las atrocidades infligidas hacía la población civil por parte de las tropas japonesas, se convierte en el involuntario protector de las estudiantes y un grupo de prostitutas que se ocultan en el recinto buscando escapar del ejército invasor. Tras el (no demasiado grave) traspié que supuso su adaptación al ámbito chino de Simplemente Sangre de los hermanos Coen, este nuevo trabajo del notable realizador Zhang Yimou marca tanto un regreso a sus preocupaciones habituales, así como una nueva aportación a un obscuro capítulo de la historia de su país (la caída y la toma de la ciudad de Nanking, suceso en el cual, según estimaciones no oficiales, poco más de 300,000 personas fueron brutalmente asesinadas a manos del ejército imperial japonés) y que al día de hoy, continua siendo sujeto de acalorados y polémicos debates entre ambas naciones. (Algo a lo que la película no ha quedado exenta, ya que algunos han visto Las Flores de la Guerra como un llamado a la propaganda antijaponesa) El asunto no dista demasiado al de otras cintas como La Posada de la Sexta Felicidad (Mark Robson, 1958) o, más recientemente, Los niños de China (Roger Spotiswoode, 2008). No obstante, aquí la diferencia la marca el gran oficio de Yimou, gracias a su deslumbrante y característico estilo visual, su sensibilidad, el rigor de su puesta en escena, en la que el director encuentra un acertado balance entre las situaciones plenas de lirismo y poética evocación del mundo femenino, con el sobrecogedor impacto de otras escenas en las que el realizador no escatima una crueldad y violencia para nada complacientes, además de su gran sentido del espectáculo. Es difícíl saber si la presencia de Christian Bale (quién a pesar de su limitado registro actoral, bajo la dirección de Yimou logra brindar un adecuado desempeño) garantice una distribución correcta del film a nivel mundial; en el caso de México, aquí no se ha vuelto a saber nada de este director en los cines después de La Maldición de la flor dorada (2006). Sin embargo, a pesar de que la cinta se deja ver con cierta facilidad tanto en el mercado pirata como On Line, es mejor aguantar la tentación y tratar de verla en la pantalla grande. La espera, sin duda, bien vale la pena.

No cabe duda que la franquicia de Star Wars ha probado ser una de las más rentables en la historia del cine. Tras el exitoso reestreno en 1997 de la trilogia original, para 1999, ya con todas las herramientas digitales lo suficientemente desarrolladas para tal propósito, fue que el empresario (algunos lo llaman director) George Lucas tomo la decisión de regresar a sus pueriles aventuras intergalacticas con este film, uno de los proyectos mas anunciados y esperados por las (inexplicables) legiones de fans alrededor del mundo. Las expectativas entre las audiencias eran colosales, por supuesto, ya que la lógica dictaba que después de tanto tiempo y planificación, los resultados llegasen a ser, ya no digamos algo coherente desde un punto de vista narrativo, pero cuando menos llamativos o interesantes. Tanto entusiastas como detractores están de acuerdo en que este, por de a madres, se trata del peor capitulo de toda la pinche saga. A pesar de la enorme cantidad de medios a su disposición y del atractivo reparto (Liam Nesson y Pernilla August lucen totalmente desperdiciados, y por si fuera poco, hay que soportar a Jake Lloyd, el actor infantil más nefasto desde Macaulay Culkin) Lucas no logró rodar un solo cuadro siquiera con la más mínima inspiración, y el producto final se siente plano y aburrido en exceso. El "guión", con todo y sus reminiscencias religiosas (incluyendo a un Annakin Skywalker por la gracia de Dios sin waka-waka concebido y un villano con no dos, sino con ¡ocho! cuernos en la cabezota), su tendencia a la complacencia infantiloide (hasta los mas acerrimos fans admiten que el tal Jar Jar Binks es la idea más pendeja que se le pudo ocurrir incluir a Lucas en la cinta) y su poco disimulada ideología xenófoba, logran hacer de esta una experiencia abrumadoramente idiota. Eso si, quizas lo único rescatable fue asistir a ver esta cosa en su primera función la noche del estreno: la entusiasta manada de weyes que acudieron disfrazados como los personajes de la película le dieron al asunto la gracia que le faltó a George Lucas. Para no variar, esta por estrenarse en estos días la versión en 3D, la cual seguramente va a gozar de éxito entre los mencionados seguidores de estas mamadas.

Camelia (Stella Inda) es una más de las prostitutas que ofrecen sus servicios en “La mancha de sangre”, un antro de mala muerte el cual es regenteado por el proxeneta y narcotraficante alemán Gastón. (H.G. Batenberg) Entre esporádicos amantes, el humo de cigarro, copas de vino y el disipado modo de vida nocturna del lugar, la sensual mujer y sus compañeras de trabajo ven transcurrir una existencia despreocupada y sin mayores sobresaltos hasta el día en que Camelia conoce a Guillermo (José Casal) un muchacho mas joven que ella, desempleado y recién llegado de provincia, del cual se enamora y de quién decide hacerse cargo sentimental y económicamente; no obstante, Gastón tiene sus propios planes para el inexperto chaval, quién al no hallar un trabajo estable, comienza a sentirse seducido por el poder y el “glamour” alrededor del mundo de la mafia, lo que lo lleva a comenzar a involucrarse en los turbios negocios de Gastón, un suceso que Camelia esta dispuesta a impedir a cualquier precio. Este segundo y último trabajo como director del pintor y teórico de Cine Adolfo Best Maugard es considerado como el filme maldito por excelencia del cine mexicano. La cinta (perdida por más de cincuenta años) se trata de una sórdida y verosímil mirada a los entretelónes de la vida de cabaret y la delincuencia organizada en el México de los años treinta. Ajena a los convencionalismos e idealizaciones propios del cine de la época, la película de Maugard nos muestra el burdel-cabaret-centro de la mafia donde trabaja Camelia; por un lado, como un microcosmos donde convergen de un modo inquietantemente cotidiano y realista los parroquianos que frecuentan el lugar, integrantes de diversos sectores de la sociedad (miembros de la clase obrera, principalmente) todos ellos envueltos la (de a ratos sórdida y convincente al extremo) atmósfera propia de un cabaret cualquiera de los barrios populares del Centro Histórico de la Ciudad de México; por el otro lado, las “sexoservidoras” que allí laboran. Lejos de la sufrida e hipocritamente moralina visión manejada por otras cintas del género ,en las cuales se presenta el destino de las mujeres que ejercen la prostitución como un castigo (el cual casi siempre termina con la muerte) que estas deben sufrir estoicamente para expiar sus culpas, (por haber perdido la virginidad fuera del matrimonio) en el film de Maugard, por el contrario, estas aparecen, simplemente, ejerciendo una profesión para ganarse la vida sin mayores tapujos y sin tener necesariamente que sufrir por ello, dándose no solamente el lujo de divertirse y enamorarse, sino sentirse orgullosas de ello: un ejemplo evidente es Camelia, la protagonista; opuesta a los sufridos personajes femeninos de Santa (de la película homónima) o a la Rosario de La mujer del puerto, Camelia es una mujer inteligente y friamente calculadora, quién no esta dispuesta a quedarse con los brazos cruzados y no duda en emplear el sexo, su astucia y la violencia para conseguir sus objetivos. Es también en este sentido que La Mancha de sangre resulta una experiencia transgresora (y muy disfrutable) debido a sus elevadas dosis de un erotismo poco disimulado, como los sorprendentemente fascinantes desnudos durante la orgía organizada por Gastón para sus amigos, o aquella otra escena en que se aprecia a Stella Inda bailando y barriendo su departamento entallada en un semi transparente negligee mientras espera la visita de su joven amante Guillermo. Seguramente por todas estas razones (contrarias a su ideología), el régimen cardenista no vio con buenos ojos al film, por lo que se ordenó su confiscación sin obtener la autorización para ser exhibido (con mutilaciones previas de por medio) hasta el año de 1943, en una sola sala de cine y con poco éxito de taquilla, despúes de lo cual desapareció casi por completo, quedando al nivel de leyenda urbana. En 1993, la Filmoteca de la UNAM recibió un depósito de materiales de nitrato de celulosa que se encontraban en una bóveda olvidada. En la lista de los materiales, se encontraba una maltrecha copia de La mancha de sangre, gracias a lo cual se inicio un meticuloso proceso de restauración. Le faltaba el rollo 6 de sonido, y el 9 y último, de imagen (con el climax del film), los cuales hasta el momento no han podido ser encontrados, algo que logra darle a la cinta un final involuntariamente abierto y sujeto de diversas interpretaciones, pero que ,sin duda, contribuye al aura de misterio y fascinación que sigue despertando esta cinta a 75 años de su realización.

Este recuento de las tragicas vivencias de Santa, la joven prostituta de Chimalistac, ha sido una de las historias más retomadas por parte del cine nacional, con 5 versiones del asunto hasta el momento: la película muda de 1918, la versión de Norman Foster protagonizada por Esther Fernandez de 1942 (sin duda, la más lograda), otra protagonizada por Julissa en 1969, y la mas reciente, Latino bar de 1991. (La cual, por cierto, resultó un severo fracaso tanto por parte de la critica como en la taquilla, lo que marcó el retiro por más de una década del director Paul Leduc. Si bien es cierto que ya con anterioridad se habían llevado a cabo en nuestro país logrados experimentos sonoros (como la reproducción simultanea de discos conteniendo la banda sonora y algunos parlamentos durante la proyección del film), entre sus otras virtudes, (pocas, pero las tiene) el principal interés de la cinta de Antonio Moreno radica en que esta segunda adaptación de la "poeticamente" tremendista (y misogina) novela de Federico Gamboa, esta considerada la primer película totalmente sonorizada (mediante la grabación directa de música, ruidos ambientales y diálogos sobre la cinta) del cine mexicano. Estrictamente hablando, no se trata de ninguna gran película. Cualquier espectador puede notar a leguas la poca pericia de Moreno en la dirección de actores, (en lugar de conmover, Carlos Orellana hace que uno se cague de risa con su ciego Hipolito) y aunque la concepción misma de Santa fué la de servir como una respuesta al nefasto "cine hispano parlante" hollywoodense, la gran paradoja es que se ve aquejada por los mismos "detalles" molestos de aquel (la delirante mezcla de acentos pochos, cubanos, mexicanos, españoles, étc), lo que le da al "tragico" asunto un aire de chunga involuntaria). A pesar de sus errores, no se le puede negar al film la importancia de haber significado el inicio del establecimiento como industria del cine mexicano, ni de ser el punto de arranque de uno de los géneros mas socorridos (y exitosos) del cine mexicano de la época. (la obra maestra de esta corriente vendría apenas dos años después con La Mujer del Puerto, de Arcady Boytler.) De aplausos, la obscura y decadente belleza de algunas de las imágenes debidas a la lente de Alex Phillips (las escenas en el interior del burdel son de un verismo impresionante) así como la presencia de Lupita Tovar.

Recuerdo haber leído hace ya algún tiempo una critica acerca de otra película de Luc Besson, en la que tras enumerar punto por punto los aspectos negativos de aquella, lo que le parecía más grave al autor era el hecho de que se trataba de una producción francesa. (Como si la estupidez se midiese de acuerdo a la procedencia.) Para bien o para mal (como en este caso) el exitoso productor y cineasta es otro ejemplo de que no todo el cine galo esta concebido para el goce intelectual del espectador refinado o "exigente", y de que en Francia también se pintan solos si de filmar pendejadas se trata. Aún así, uno no termina de explicarse que chingados fue lo que sucedió con Besson; aún en películas menos logradas como El Perfecto Asesino, El Quinto Elemento y Juana de Arco, se podía apreciar su dinamismo, su sentido del espectáculo y su correcta (es un decir) asimilación de los clichés propios del cine hollywoodense. Por el contrario, en esta especie de hibrido de La Momia de Stephen Sommers y el cine de Jean Pierre Jeunet (en su plan más guarro) no hay nada rescatable. Plana, aburrida y mamona como la chingada, su pretendido tono de comedia (de un humor soso y bastante dudoso) poco hace por mejorar el asunto. Tras la conclusión del rodaje de Angel-A (2005) Besson declaró que aquella sería su ultima incursión como director para enfocarse en la producción; más le hubiera valido al güey este cumplir su promesa y no quemarse rodando estas mamadas. En México la presente "joyita" no gozó de una corrida comercial en cines y fue lanzada directamente al mercado de video. Ni falta que hizó.

No extraña demasiado el hecho de que David Fincher se interesase en llevar a cabo este recalentado en ingles de la famosa trilogía de Stieg Larsson, ya que el asunto cuenta con la suficiente carga de mala leche e ironía características de las cintas previas del director. Afortunadamente (contra todo pronostico), el resultado es muy satisfactorio debido a la garra mostrada por Fincher en la puesta en escena (al contrario del film sueco, plenamente cinematográfica) la buena asimilación del material original, y la consiguiente y muy atractiva atmósfera de ambigüedad moral por la que se mueven los personajes. Destaca la participación de Rooney Mara como Lisbeth Salander, la cual, aunque no logra hacer olvidar la actuación de Noomi Rapace (quién sabiamente declinó la invitación de repetir su papel en este nuevo proyecto) en la serie original, logra darle al personaje un matiz interesante y agresivo, mientras Daniel Craig continua redituando el éxito conseguido gracias a las películas de James Bond. Lo único que podría encontrarsele objetable a todo este rollo es esa terquedad (en aras del comercialismo más ramplón) por seguir colgandose del éxito de un suceso cinematográfico tan reciente (aunque, en este caso, hay que decir que no toda la culpa es de Hollywood, ya que entre los productores se encuentran los mismos de la versión sueca), no obstante, el hecho de que el mismo equipo técnico (Fincher incluido) sea el encargado de rodar las próximas dos secuelas, hace ver con optimismo el futuro de esta franquicia.

Ambientada en los días posteriores a la muerte del ex-dictador Augusto Pinochet, esta opera prima del director Niles Atallah (quién cuenta en su haber con antecedentes como realizador de videoclips) narra la historia de Lucía, una joven de clase media baja quién ve transcurrir el tiempo atrapada entre la monotonía de la rutina diaria de su hogar y su trabajo como costurera, en compañía de su padre (cuya única esporádica ocupación parece ser la de disfrazarse de Santa Claus en fiestas infantiles). A pesar de tratarse del debut en el cine industrial por parte de su joven realizador, el asunto esta narrado con gran sensibilidad y rigor por parte de Niles Atallah. Muy atractiva en el aspecto visual, la película da fe de la habilidad del cineasta como director de actores. (Particularmente notable el desempeño de la protagonista Gabriela Aguilera.) Tanto testimonio critico de las desigualdades latentes en la sociedad chilena contemporánea, así como intimista y muy conmovedor registro de las complejas relaciones padre-hija entre los personajes principales, esta cinta es otra buena muestra de la calidad del cine latinoamericano reciente, la mayor de las veces (una lamentable pero bastante común paradoja) poco apreciado por el grueso de las audiencias. (Aquí mismo, en MUBI, para vergüenza de muchos dizque "cinefilos", pasó prácticamente desapercibida durante su exhibición gratuita on line.)

A mas de 50 años de su realizacion, este clasico sigue sorprendiendo por la maestria tecnica que Kurosawa demuestra a lo largo del film. Notable por su complejidad y su perfección técnica, es una cinta qué, plano por plano, sigue deslumbrando por su onirica belleza, las notables actuaciones (estupendos Toshiro Mifune e Isuzu Yamada) y por ser la unica adaptacion cinematografica de una obra de Shakespeare que verdaderamente logra capturar en sus diálogos e imágenes toda la complejidad y el trágico espiritu de la obra original, a pesar (y en esto radica su máximo logro) de que en esta version de Macbeth, no aparece ni una sola linea del bardo Ingles. Referente obligado para cualquier amante del cine, Trono de sangre sigue demostrando por que su director ocupa un primerisimo lugar en la historia del cine mundial.

La primera obra maestra de De Fuentes, y el inicio de su trilogia de la revolucion mexicana. A De Fuentes se le conoce como el John Ford mexicano (en ese pinche afan de todo quererlo comparar) y es posible que tal comparacion no sea del todo desacertada, si se hace en base al tono epico de algunas de sus peliculas. Lo que no se puede negar es que Fernando De Fuentes es el visionario iniciador de los generos mas representativos de la cinematografia mexicana de los 30’s y 40’s, llamese el melodrama, el cine de intriga, el desencantado cine de vertiente histórica con esta su trilogía de la Revolución Mexicana e incluso el cine de terror en su deliciosa El fantasma del convento (1934) Visionario fue de Fuentes también en el aspecto técnico, ya que, por si no lo sabian, fue su ingenio el que le permitió crear los subtitulos con los que se traducen los dialogos de las peliculas (invento que el cual se arrepintio durante el resto de su vida de no haber patentado jamas). El prisionero 13 suele ser como uno de esos titulos que siempre se encuentran en las listas de las mejores peliculas mexicanas de la historia. De un tono abiertamente critico, el filme se centra en un tal coronel Carrasco, interpretado sabrosamente por Alfredo Del Diestro, quien es un soberano culero. Borrachin, mujeriego y poseedor de un machista sentido del honor, es tambien una autoridad corrupta (que pinche raro suena eso, no?) quien, por causa de sus malos manejos, hace fusilar involuntariamente a su hijo. Las autoridades censoras de ese entonces no vieron con buenos ojos la imagen deplorable del ejercito mexicano que la pelicula manejaba, por lo que esta fue sometida a diversas mutilaciones, la mas notoria, el final del film, en la que el hijo es hecho mierda a balazos, y su padre, al no poder impedirlo, arrepentido, se vuela la madre de un disparo. El tragico final del film fue sustituido por un final feliz, en el cual el coronel despierta de una buena peda y se da cuenta de que todo no fue mas que producto un sueño. Obvia decir que el personaje promete enmendarse. A pesar de ser obligado a terminar su cinta asi, la pelicula de De Fuentes conserva intacta esa vision oscura y desencantada de la historia reciente del Mexico de esos años. Como siempre en de Fuentes, resulta evidente el gran oficio de un director de cine cuyas producciones no decaen en interés ni en la buena factura mostrada en cada una de sus escenas, baste recordar el momento en que los prisioneros son conducidos al pabellon de fusilamiento con las primeras luces del amanecer…la sobriedad con que dicha escena fue filmada es de una deslumbrante y horrenda belleza. Casi treinta años despues, se filmó una segunda version, con Carlos Lopez Moctezuma en el papel del coronel, y en esta si fue presentado el final original de la historia.

El capitulo mas brillante de la trilogia de la revolución mexicana se centra en el personaje de Rosalio Mendoza (como de costumbre, otra sabrosa creacion del actor fetiche de De Fuentes por esos años, Alfredo Del Diestro.); Rosalio Mendoza es un prospero hacendado, un verdadero cabrón, trabaja para todos los bandos, ya sean carrancistas, zapatistas o Huertistas, o sea, un habil y vulgar chaquetero, cuyo proposito en la vida es quedar bien con todos y granjearse la amistad de todos, pero quién jamás deja de pensar un segundo en su propio beneficio. Además, como buen pajaro de cuenta que se respete, el tipo tiene suerte: amén del éxito en sus turbios negocios, lográ enamorar a una jovencita que es un verdadero bizcocho, Dolores (la hoy olvidada pero bellisima Carmen Guerrero) Sin embargo, el dia de la boda, el lacra hacendado esta a punto de ser fusilado por las tropas rebeldes zapatistas, salvandose de último momento gracias a la oportuna intervención de una de sus amistades, el general zapatista Felipe Nieto. (Antonio R. Frausto, cagadisimo pero buen actor) El incidente provoca que nazca una solida amistad entre ambos hombres, pero tambien una secreta pasión entre el general Nieto y Dolores, quien, al quedar embarazada de Rosalio, éste le propone a Nieto hacerse compadres, lo que el acepta para en una ultima instancia, querer al niño como un hijo propio y velar por la seguridad de Dolores. El tiempo transcurre, y los negocios empiezan a dejar de florecer, por lo que Rosalio proyecta mudarse a la capital del pais con su familia, despues de una fructifera compra-venta de mercancia, pero sus planes vuelan literalmente por los aires, ya que los rebeldes hacen estallar el tren donde son transportados los bienes de Rosalio, por lo que este se ve obligado a escoger entre su amistad con Nieto o su propio pellejo. Visión critica y descarnada del conflicto armado de principios de siglo XX en nuestro país, la pelicula es un prodigio de edición y montaje, pero el climax del film, el asesinato de Nieto, es un verdadero logro formal y estilistico el cual, por si solo, lograría hacer valer la pena ver el resto de la pelicula.

Durante un paseo nocturno por el bosque, el trío conformado por Alfonzo (Enrique del Campo) Eduardo (Carlos Villatoro) y su esposa Cristina (Martha Roel) pierden el rumbo y quedan a merced de la intemperie. En su camino se cruza un misterioso guía, quién los conduce a un enigmático monasterio en el cual esperan poder pasar la noche, sin embargo, los visitantes no tienen idea de los extraños sucesos que les aguardan en el interior del recinto. Iniciador por excelencia de algunos de los géneros más retomados posteriormente por el cine mexicano, con este estupendo trabajo, de Fuentes consiguió tanto una de sus mejores películas, así como uno de los primeros acercamientos a una corriente tan escasamente socorrida en nuestro país como es el cine de terror. Drama, misterio, libros demoníacos, monjes y demás elementos fantasmagorícos se entremezclan en esta cinta, en la cual, la logradisima atmósfera conseguida por la lente de Ross Fisher, la ingenua sencillez del argumento y la segura mano del director, hacen de este recuento de las "aterradoras" experiencias de los tres amigos en el ex-convento de Tepotzotlán, uno de los ejemplos más disfrutables de su filmografía y todo un clásico del cine mexicano de los años treinta.

I just want to know... what the fuck does this piece of shit here???

Paul (Pierre Clémenti) es un escritor que tras combatir en el frente (durante la primera guerra mundial) regresa a su país a convalecer de sus heridas en una tranquila posada en el norte de Italia. Trastornado por los horrores vividos durante el conflicto y padeciendo marcadas tendencias suicidas, el escritor parece encontrar un nuevo sentido a su existencia en la persona de Eva (Katya Berger) una adolescente de trece años de edad. La atracción entre ambos es mutua; sin embargo, Paul no puede evitar sentirse atrapado entre sus rígidos principios y el (casi) incontrolable (pero imposible de satisfacer) deseo que le provoca la atractiva presencia de la menor, debido a su incapacidad física (sus heridas de guerra le han dejado sexualmente impotente), una situación que se agudiza con la aparición del joven miembro de un circo trashumante (Michel Soavi) por quién Eva comienza a mostrarse atraida. Único trabajo como realizador del fotógrafo Mimmo Cattarinich, este film es una buena muestra de un tipo de películas (gráfica e ideologicamente imposibles de rodar de acuerdo a los canones del cine actual) como solo se podían hacer durante los años 70. Con muchos puntos en común con cintas tales como las polémicas y muy famosas Pretty Baby de Louis Malle y Lolita de Stanley Kubrick , lo que podría llamar la atención acerca de este inquietante melodrama con tintes eróticos (el cual, curiosamente, pasó casi desapercibido) a aquellos potenciales espectadores de amplio criterio o centrados únicamente en los aspectos tecnicos y narrativos, es qué, a pesar de lo no demasiado sustancioso y si bastante predecible del guión, Cattarinich retoma con cierto virtuosismo un tema (al parecer) muy socorrido en el cine europeo de ese entonces (las tormentosas relaciones amor/pasión/obsesión entre un hombre maduro y una precoz adolescente) logrando dotar al film de una aceptable elegancia formal, una correcta dirección de actores y, claro, buena cantidad de (preciosistas, hay que decirlo) aciertos visuales debidos (obvio) a la formación de Cattarinich como cinefotógrafo, mientras que, por el otro lado, aquellos otros que compartan aficiones o tendencias similares a las de cualquier Jean Succar Kurí, la "chaqueta" está garantizada, pues seguramente verán con beneplácito el lado transgresor del asunto, y el modo en que el director (como muchos de sus colegas en esos años) se pasa la "correción politica" por los huevos y no escatima cualquier pretexto para que Katya Berger (entonces, una actriz adolescente de trece años interpretando a una inocentemente cachonda adolescente de trece años) aparezca luciendo (la mayor de las veces, en muy sugerentes poses) sus núbiles encantos por completo durante buena parte del film.

Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) es un atribulado periodista quién se encuentra enfrentando serios problemas judiciales tras haber perdido un juicio por difamación en contra del corrupto dueño de una poderosa corporación. Previo al inicio de su condena en prisión, Blomkvist decide aceptar un insólito encargo por parte del magnate Henrik Vanger (Sven-Bertil Taube) el cual consiste en aportar datos que permitan esclarecer la misteriosa desaparición (y presunto homicidio) de su sobrina Harriet, ocurrida hace cuatro decadas. En el transcurso de su busqueda, Blomkvist recibe la inesperada ayuda de Lisbeth Salander (Noomi Rapace) una joven enigmatica y antisocial, quien además de ser una consumada hacker, posee un talento innato como investigadora y una memoria fotografica. Conforme se van internando en el oscuro y enfermizo pasado de la familia Vanger, Blomkvist y Salander dan luz a reveladores datos sobre una serie de brutales asesinatos alrededor del clan Vanger nunca esclarecidos, con lo cual pondrán en riesgo sus propias vidas. El 2009 fue un año provechoso para la cinematografía escandinava. A la par de la consagración internacional de la notable Dejame entrar (Tomas Alfredson, 2008), los productores suecos decidieron apostarle al ambicioso proyecto de adaptar a la pantalla la voluminosa trilogía y sorpresivo fenómeno de ventas a nivel mundial escrito por Stieg Larsson (quién se quedo con las ganas de saber que se siente jugar en las grandes ligas y disfrutar las enormes regalías generadas por sus novelas, debido a que el escritor y periodista estiró las chanclas gracias a un infarto que se cruzó en su camino a los pocos días despues de haber entregado el último borrador a su editor) la cual, desde su aparición en el año 2005, ha ido adquiriendo un progresivo estatus de culto. Fiel conocedor de las convenciones de la novela negra estadunidense, el entorno por el que deambulan los personajes creados por Larsson es el de una sociedad hundida en una pobredumbre ética, moral y espiritual, pero subyacente y lista para irrumpir de manera violenta en todo lugar y momento desde lo (no demasiado) recóndito de la normalidad aparente. Con este trabajo, el realizador Niels Arden Oplev consiguió un movido e interesante thriller, que se destaca por su atinado ritmo, la dirección fotografíca de Eric Krees y la buena quimica entre los protagonistas. (Por su andrógina y estupenda caracterización de Lisbeth Salander, la joven actriz Noomi Rapace dio el salto del anonimato a la celebridad instantanea, siendo en estos días (afortunadamente) muy requeridos sus servicios en Hollywood.) Por estar concebida originalmente como una miniserie, la cinta no puede evitar la apariencia de telefilme, lo cual no fue ningún impedimento para que resultase (como era de suponerse) un sonado éxito en Europa, así como tampoco le resta su interés al asunto.