En las películas del guionista y director georgiano Alexandre Koberidze, el mundo es un lugar encantado. Ráfagas de viento y cámaras de seguridad ofrecen sabios consejos, las maldiciones cambian los rostros y los personajes invisibles son tan comunes como los visibles. Su sereno cine se demora en lo enigmático y lo inexplicable: la naturaleza, el azar y, sobre todo, el amor. Entre el cuento de hadas y el poema sinfónico, sus películas descubren la magia de lo cotidiano. Esta colección reúne los tres largometrajes de Koberidze y recorre su búsqueda del asombro mediante lenguajes visuales experimentales. Su primera y tercera películas, el romance queer Let the Summer Never Come Again (2017) y la road movie de padre e hija Hojas secas (2025), fueron filmadas con una tecnología de lo más inusual: la cámara de un Sony Ericsson de 2008. Con el fulgor y el temblor de una pintura impresionista en movimiento, la bajísima resolución y frecuencia de cuadros de estas imágenes confieren incluso a los motivos más humildes un aura de trascendencia. ¿Qué vemos cuando miramos al cielo? (2021) utiliza equipos más convencionales, pero resulta igual de hipnótica al evocar antiguos cuentos populares con su romance entre amantes malditos que han cambiado de cuerpo. Como todo el cine de Koberidze, esta serena y bellísima película demuestra que el mundo moderno está lleno de misterio para quien sabe mirar.

En las películas del guionista y director georgiano Alexandre Koberidze, el mundo es un lugar encantado. Ráfagas de viento y cámaras de seguridad ofrecen sabios consejos, las maldiciones cambian los rostros y los personajes invisibles son tan comunes como los visibles. Su sereno cine se demora en lo enigmático y lo inexplicable: la naturaleza, el azar y, sobre todo, el amor. Entre el cuento de hadas y el poema sinfónico, sus películas descubren la magia de lo cotidiano. Esta colección reúne los tres largometrajes de Koberidze y recorre su búsqueda del asombro mediante lenguajes visuales experimentales. Su primera y tercera películas, el romance queer Let the Summer Never Come Again (2017) y la road movie de padre e hija Hojas secas (2025), fueron filmadas con una tecnología de lo más inusual: la cámara de un Sony Ericsson de 2008. Con el fulgor y el temblor de una pintura impresionista en movimiento, la bajísima resolución y frecuencia de cuadros de estas imágenes confieren incluso a los motivos más humildes un aura de trascendencia. ¿Qué vemos cuando miramos al cielo? (2021) utiliza equipos más convencionales, pero resulta igual de hipnótica al evocar antiguos cuentos populares con su romance entre amantes malditos que han cambiado de cuerpo. Como todo el cine de Koberidze, esta serena y bellísima película demuestra que el mundo moderno está lleno de misterio para quien sabe mirar.

Magia cotidiana: Tres de Alexandre Koberidze

MAGIA COTIDIANA: TRES DE ALEXANDRE KOBERIDZE

Para el guionista y director georgiano Alexandre Koberidze, el mundo es un lugar encantado. Sus serenas películas exploran estilos experimentales en busca de la magia cotidiana y crean un cine humilde y trascendente que revela cuánto misterio queda aún en el mundo moderno para quien sabe mirar.

Para el guionista y director georgiano Alexandre Koberidze, el mundo es un lugar encantado. Sus serenas películas exploran estilos experimentales en busca de la magia cotidiana y crean un cine humilde y trascendente que revela cuánto misterio queda aún en el mundo moderno para quien sabe mirar.

Tres de Alexandre Koberidze

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TRES DE ALEXANDRE KOBERIDZE

Magia cotidiana:

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MAGIA COTIDIANA:

Temible y a la vez romántico, el yakuza es uno de los arquetipos más icónicos del cine japonés. Desde su aparición en las pantallas de la posguerra, esta figura ha atravesado fascinantes transformaciones. En los años 60, mientras Japón vivía una rápida industrialización y recuperación económica, el cine yakuza ofrecía la imagen alternativa de un país fracturado por el conflicto social y las heridas aún abiertas de la guerra. En los descarnados retratos By a Man’s Face Shall You Know Him (1966) y I, the Executioner (1968), Tai Kato definió al gánster alienado: hombres marcados por la guerra que recurren a medidas extremas en nombre del honor y la justicia. Aunque dominado tradicionalmente por hombres, el género también ha tenido heroínas formidables. La saga Red Peony Gambler, estrenada entre finales de los 60 y principios de los 70, retoma la tradición literaria del yakuza como jugador errante, pero la subvierte con Oryu, su radiante y estoica protagonista. En busca de venganza por su padre, aterroriza a sus enemigos con su daga y su ingenio: una flor de acero entre hombres despiadados. Cuando la popularidad del género decayó en los años 80 y 90, una nueva generación de cineastas revitalizó sus viejos tropos. Desde las provocadoras Dead or Alive (1999) e Ichi el asesino (2001) hasta la sorprendentemente tierna First Love (2019), Takashi Miike conmocionó al público con sus gráficas representaciones del sexo y el asesinato, a la vez que ofrecía una visión multicultural del Japón contemporáneo. Estas feroces películas, atravesadas por sangre y nostalgia, recorren décadas de cine yakuza y el rostro cambiante de una nación.

Temible y a la vez romántico, el yakuza es uno de los arquetipos más icónicos del cine japonés. Desde su aparición en las pantallas de la posguerra, esta figura ha atravesado fascinantes transformaciones. En los años 60, mientras Japón vivía una rápida industrialización y recuperación económica, el cine yakuza ofrecía la imagen alternativa de un país fracturado por el conflicto social y las heridas aún abiertas de la guerra. En los descarnados retratos By a Man’s Face Shall You Know Him (1966) y I, the Executioner (1968), Tai Kato definió al gánster alienado: hombres marcados por la guerra que recurren a medidas extremas en nombre del honor y la justicia. Aunque dominado tradicionalmente por hombres, el género también ha tenido heroínas formidables. La saga Red Peony Gambler, estrenada entre finales de los 60 y principios de los 70, retoma la tradición literaria del yakuza como jugador errante, pero la subvierte con Oryu, su radiante y estoica protagonista. En busca de venganza por su padre, aterroriza a sus enemigos con su daga y su ingenio: una flor de acero entre hombres despiadados. Cuando la popularidad del género decayó en los años 80 y 90, una nueva generación de cineastas revitalizó sus viejos tropos. Desde las provocadoras Dead or Alive (1999) e Ichi el asesino (2001) hasta la sorprendentemente tierna First Love (2019), Takashi Miike conmocionó al público con sus gráficas representaciones del sexo y el asesinato, a la vez que ofrecía una visión multicultural del Japón contemporáneo. Estas feroces películas, atravesadas por sangre y nostalgia, recorren décadas de cine yakuza y el rostro cambiante de una nación.

Espadas desenvainadas y balas al vuelo: Cine yakuza

ESPADAS DESENVAINADAS Y BALAS AL VUELO: CINE YAKUZA

Estoico y apasionado, temible y romántico, el yakuza perdura como uno de los grandes arquetipos del cine. Marcadas por la sangre y la nostalgia, estas feroces películas recorren décadas del cine japonés y trazan el rostro cambiante de una nación.

Estoico y apasionado, temible y romántico, el yakuza perdura como uno de los grandes arquetipos del cine. Marcadas por la sangre y la nostalgia, estas feroces películas recorren décadas del cine japonés y trazan el rostro cambiante de una nación.

Cine yakuza

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CINE YAKUZA

Espadas desenvainadas y balas al vuelo:

ESPADAS DESENVAINADAS Y BALAS AL VUELO:

Los comienzos que nos transforman pueden llegar a cualquier edad. Una nueva etapa de la vida promete emoción: cosas estimulantes por aprender y experiencias distintas por vivir. Para algunos, sin embargo, la expectativa de cruzar un umbral también trae mariposas en el estómago. Esa mezcla agridulce de entusiasmo e incertidumbre no es exclusiva de los más jóvenes: puede surgir al comenzar otro semestre, al florecer una nueva conexión o ante la intimidante perspectiva de entrar al mundo laboral. La escuela de la vida nunca termina, y tampoco el viaje de autodescubrimiento. Los distintos ritos de paso de esta colección son tan vigentes como las películas que los retratan: historias de nuevos comienzos y pasiones que despiertan, todas imbuidas de un irresistible espíritu de aventura. Aquí, las lecciones de amor, valentía y aceptación no solo se aprenden en los libros, sino también en la camaradería, mientras nuestros decididos protagonistas sortean los imprevistos de la vida con un poco de ayuda de sus amigos. Esta colección invita a públicos de todas las edades a celebrar la curiosidad, la bondad y el poder perdurable de la amistad, demostrando que cada nuevo capítulo encierra la promesa de posibilidades extraordinarias.

Los comienzos que nos transforman pueden llegar a cualquier edad. Una nueva etapa de la vida promete emoción: cosas estimulantes por aprender y experiencias distintas por vivir. Para algunos, sin embargo, la expectativa de cruzar un umbral también trae mariposas en el estómago. Esa mezcla agridulce de entusiasmo e incertidumbre no es exclusiva de los más jóvenes: puede surgir al comenzar otro semestre, al florecer una nueva conexión o ante la intimidante perspectiva de entrar al mundo laboral. La escuela de la vida nunca termina, y tampoco el viaje de autodescubrimiento. Los distintos ritos de paso de esta colección son tan vigentes como las películas que los retratan: historias de nuevos comienzos y pasiones que despiertan, todas imbuidas de un irresistible espíritu de aventura. Aquí, las lecciones de amor, valentía y aceptación no solo se aprenden en los libros, sino también en la camaradería, mientras nuestros decididos protagonistas sortean los imprevistos de la vida con un poco de ayuda de sus amigos. Esta colección invita a públicos de todas las edades a celebrar la curiosidad, la bondad y el poder perdurable de la amistad, demostrando que cada nuevo capítulo encierra la promesa de posibilidades extraordinarias.

Mundo, ¿estás ahí?

MUNDO, ¿ESTÁS AHÍ?

Los comienzos emocionantes pueden llegar a cualquier edad. Al recorrer las páginas de la vida, esta colección reúne historias transformadoras de autodescubrimiento, nuevos vínculos y nuevos comienzos, donde cada capítulo encierra la promesa de posibilidades extraordinarias.

Los comienzos emocionantes pueden llegar a cualquier edad. Al recorrer las páginas de la vida, esta colección reúne historias transformadoras de autodescubrimiento, nuevos vínculos y nuevos comienzos, donde cada capítulo encierra la promesa de posibilidades extraordinarias.

En las películas de RaMell Ross la gente se ve como los otros los ven. Su cine poético, fragmentado y cautelosamente antropológico gira alrededor de relaciones, prestándole atención al tejido que nos vincula con los demás y nuestro sitio. También aborda los marcos, ni pedidos, ni invitados, que cosifican a sus sujetos. Desde su ópera prima, Hale County This Morning, This Evening (2018), ganadora del Peabody Award, Ross fue reconocido como un director distintivo e instintivo cuyos retratos de la vida afroamericana resisten categorizaciones. Sus películas son tanto ficción como no ficción, incorporan texturas y tonalidades de ambas. No encierran a sus individuos en estructuras narrativas cuadriculadas, los suspenden en entramados sueltos y libres donde pueden existir.
Presentamos la obra completa de Ross: películas tiernas que juegan con el tiempo, compartiendo una sensibilidad de “atrápame si puedes”, irradiando formas de ser enraizadas en lo profundo del sur de EUA. Un montaje en Los chicos de la Nickel (2024), nominada al Oscar®, concatena encabezados de crímenes contra estadounidenses negros con imágenes de la Tierra desde una nave espacial en movimiento, ilustraciones de la era Jim Crow y tomas granuladas de un vagón subiendo por una montaña rusa. Así, Nickel Boys insiste en que el racismo escenificado es parte de la cultura nacional y no para, como la trayectoria interminable de esa atracción de feria.
Pero, al final, las películas de Ross toman las vías paralelas de la unión, la autodeterminación. En la mediana edad, el sobreviviente del reformatorio de Los chicos de la Nickel y su pareja dirigen su videocámara hacia sí mismos: rostros pegados, mejilla a mejilla. Uno pregunta: “Oye, ¿qué está mirando?”. “A dos seres hermosos”, es la respuesta.

En las películas de RaMell Ross la gente se ve como los otros los ven. Su cine poético, fragmentado y cautelosamente antropológico gira alrededor de relaciones, prestándole atención al tejido que nos vincula con los demás y nuestro sitio. También aborda los marcos, ni pedidos, ni invitados, que cosifican a sus sujetos. Desde su ópera prima, Hale County This Morning, This Evening (2018), ganadora del Peabody Award, Ross fue reconocido como un director distintivo e instintivo cuyos retratos de la vida afroamericana resisten categorizaciones. Sus películas son tanto ficción como no ficción, incorporan texturas y tonalidades de ambas. No encierran a sus individuos en estructuras narrativas cuadriculadas, los suspenden en entramados sueltos y libres donde pueden existir.
Presentamos la obra completa de Ross: películas tiernas que juegan con el tiempo, compartiendo una sensibilidad de &#8220;atrápame si puedes&#8221;, irradiando formas de ser enraizadas en lo profundo del sur de EUA. Un montaje en Los chicos de la Nickel (2024), nominada al Oscar®, concatena encabezados de crímenes contra estadounidenses negros con imágenes de la Tierra desde una nave espacial en movimiento, ilustraciones de la era Jim Crow y tomas granuladas de un vagón subiendo por una montaña rusa. Así, Nickel Boys insiste en que el racismo escenificado es parte de la cultura nacional y no para, como la trayectoria interminable de esa atracción de feria.
Pero, al final, las películas de Ross toman las vías paralelas de la unión, la autodeterminación. En la mediana edad, el sobreviviente del reformatorio de Los chicos de la Nickel y su pareja dirigen su videocámara hacia sí mismos: rostros pegados, mejilla a mejilla. Uno pregunta: &#8220;Oye, ¿qué está mirando?&#8221;. &#8220;A dos seres hermosos&#8221;, es la respuesta.

Seres hermosos: Todas las películas de RaMell Ross

SERES HERMOSOS: TODAS LAS PELÍCULAS DE RAMELL ROSS

En ocho cortos años, RaMell Ross ha sido reconocido como un cineasta distintivo e instintivo cuyos retratos de la vida afroamericana evitan categorizaciones. Esta colección muestra toda su obra: tres películas que juegan con el tiempo e irradian formas de existir en la profundidad del sur de EE. UU.

En ocho cortos años, RaMell Ross ha sido reconocido como un cineasta distintivo e instintivo cuyos retratos de la vida afroamericana evitan categorizaciones. Esta colección muestra toda su obra: tres películas que juegan con el tiempo e irradian formas de existir en la profundidad del sur de EE. UU.

Todas las películas de RaMell Ross

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TODAS LAS PELÍCULAS DE RAMELL ROSS

Seres hermosos:

SERES HERMOSOS:

Stanley Kubrick: un nombre que ya es leyenda y evoca al instante algunas de las películas más reconocibles y veneradas de todos los tiempos. Pero antes de crear las obras maestras que lo consagrarían, Kubrick ya se había ganado fama de joven prodigio de deslumbrante ingenio. Al reunir algunos de sus primeros trabajos menos vistos, pero no menos extraordinarios, esta colección observa cómo germinan las semillas de una grandeza que definiría el cine. Su segundo largometraje, el vigoroso noir El beso del asesino (1955), fue dirigido, producido, fotografiado y editado por el joven artista del Bronx, con dinero recaudado por un farmacéutico local. De notable profesionalismo para una película independiente, y ya dotada de su característica precisión visual en su lacónico retrato del hampa neoyorquina, fue adquirida por United Artists. Impresionado, el estudio financió Casta de malditos (1956), una película de atracos de intrincada estructura cuya cristalina fotografía monocroma brilla con la habitual belleza cortante de Kubrick. Esta pequeña obra maestra se equipara incluso a sus obras mayores posteriores, y su meticuloso ADN pervive en dignos émulos como Perros de reserva (1992), Fuego contra fuego (1995) y Batman: El caballero de la noche (2008). La demoledora indignación moral de su siguiente filme, el drama sobre la Primera Guerra Mundial La patrulla infernal (1957), anticipa los alegatos antibélicos de Dr. Insólito (1964) y Cara de guerra (1987). Su capacidad para convertir el virtuosismo técnico en experiencia visceral queda patente en los sinuosos travellings por las trincheras y los angustiosos planos secuencia en tierra de nadie. Así como el niño es el padre del hombre, el cineasta aprendiz da vida al icono.

Stanley Kubrick: un nombre que ya es leyenda y evoca al instante algunas de las películas más reconocibles y veneradas de todos los tiempos. Pero antes de crear las obras maestras que lo consagrarían, Kubrick ya se había ganado fama de joven prodigio de deslumbrante ingenio. Al reunir algunos de sus primeros trabajos menos vistos, pero no menos extraordinarios, esta colección observa cómo germinan las semillas de una grandeza que definiría el cine. Su segundo largometraje, el vigoroso noir El beso del asesino (1955), fue dirigido, producido, fotografiado y editado por el joven artista del Bronx, con dinero recaudado por un farmacéutico local. De notable profesionalismo para una película independiente, y ya dotada de su característica precisión visual en su lacónico retrato del hampa neoyorquina, fue adquirida por United Artists. Impresionado, el estudio financió Casta de malditos (1956), una película de atracos de intrincada estructura cuya cristalina fotografía monocroma brilla con la habitual belleza cortante de Kubrick. Esta pequeña obra maestra se equipara incluso a sus obras mayores posteriores, y su meticuloso ADN pervive en dignos émulos como Perros de reserva (1992), Fuego contra fuego (1995) y Batman: El caballero de la noche (2008). La demoledora indignación moral de su siguiente filme, el drama sobre la Primera Guerra Mundial La patrulla infernal (1957), anticipa los alegatos antibélicos de Dr. Insólito (1964) y Cara de guerra (1987). Su capacidad para convertir el virtuosismo técnico en experiencia visceral queda patente en los sinuosos travellings por las trincheras y los angustiosos planos secuencia en tierra de nadie. Así como el niño es el padre del hombre, el cineasta aprendiz da vida al icono.

Camino a la gloria: El joven Kubrick

CAMINO A LA GLORIA: EL JOVEN KUBRICK

Así como el niño es el padre del hombre, el cineasta aprendiz da vida al ícono. Esta colección reúne algunas de las primeras obras menos vistas—pero no menos extraordinarias—de Stanley Kubrick y observa cómo germinan las semillas de una grandeza que definiría el cine.

Así como el niño es el padre del hombre, el cineasta aprendiz da vida al ícono. Esta colección reúne algunas de las primeras obras menos vistas&#8212;pero no menos extraordinarias&#8212;de Stanley Kubrick y observa cómo germinan las semillas de una grandeza que definiría el cine.

El joven Kubrick

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EL JOVEN KUBRICK

Camino a la gloria:

CAMINO A LA GLORIA:

No es tiempo de héroes: Las películas de Konrad WOlf

NO ES TIEMPO DE HÉROES: LAS PELÍCULAS DE KONRAD WOLF

Uno de los nombres más celebrados y controvertidos del cine de la RDA, Konrad Wolf se enfocó en las dimensiones no heroicas de la Alemania del siglo veinte. Mediante cuatro restauraciones recientes, esta colección pone de relieve su sello como un cineasta divergente y profundamente humanista.

Uno de los nombres más celebrados y controvertidos del cine de la RDA, Konrad Wolf se enfocó en las dimensiones no heroicas de la Alemania del siglo veinte. Mediante cuatro restauraciones recientes, esta colección pone de relieve su sello como un cineasta divergente y profundamente humanista.

Las películas de Konrad WOlf

LAS PELÍCULAS DE KONRAD WOLF

No es tiempo de héroes:

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NO ES TIEMPO DE HÉROES:

Toda familia tiene su oveja negra, y el cine no es la excepción. De fábulas de época subversivas a horrores extremos, de comedias negras provocadoras a alegorías bañadas en sangre, estas películas contemporáneas desafían al público a abandonar su zona de confort. Rebeldes tanto en la forma como en el fondo, rechazan las convenciones establecidas y el gusto dominante para abrazar lo incómodo, lo irónico y lo prohibido. En tiempos marcados por la incertidumbre, sus desmesuradas imágenes de muerte, deseo y exceso son mucho más que simples provocaciones. Canalizando la confusión, la agitación e incluso la rabia, cineastas como Coralie Fargeat, Paul Verhoeven y Yorgos Lanthimos han puesto al descubierto las hipocresías que sostienen la sociedad contemporánea, revelando la podredumbre moral que suele ocultarse tras la normalidad. A las obras de estos terribles del cine se suma Rosebush Pruning (2026), la más reciente película de Karim Aïnouz: una delirante sátira sobre la familia burguesa que llega ahora a nuestra plataforma. Asomarse a estas visiones de decadencia y deterioro es entrar en el espejo deformante de la vida moderna, poblado por retorcidas imágenes de la naturaleza humana.

Toda familia tiene su oveja negra, y el cine no es la excepción. De fábulas de época subversivas a horrores extremos, de comedias negras provocadoras a alegorías bañadas en sangre, estas películas contemporáneas desafían al público a abandonar su zona de confort. Rebeldes tanto en la forma como en el fondo, rechazan las convenciones establecidas y el gusto dominante para abrazar lo incómodo, lo irónico y lo prohibido. En tiempos marcados por la incertidumbre, sus desmesuradas imágenes de muerte, deseo y exceso son mucho más que simples provocaciones. Canalizando la confusión, la agitación e incluso la rabia, cineastas como Coralie Fargeat, Paul Verhoeven y Yorgos Lanthimos han puesto al descubierto las hipocresías que sostienen la sociedad contemporánea, revelando la podredumbre moral que suele ocultarse tras la normalidad. A las obras de estos terribles del cine se suma Rosebush Pruning (2026), la más reciente película de Karim Aïnouz: una delirante sátira sobre la familia burguesa que llega ahora a nuestra plataforma. Asomarse a estas visiones de decadencia y deterioro es entrar en el espejo deformante de la vida moderna, poblado por retorcidas imágenes de la naturaleza humana.

Causando revuelo: Provocaciones contemporáneas

CAUSANDO REVUELO: PROVOCACIONES CONTEMPORÁNEAS

Toda familia tiene su oveja negra, y el cine no es excepción. Con la delirantemente perversa Rosebush Pruning, esta incendiaria colección celebra la provocación. Estas visiones de exceso y decadencia nos adentran en el espejo deformante de la vida moderna y su imagen de la naturaleza humana.

Toda familia tiene su oveja negra, y el cine no es excepción. Con la delirantemente perversa Rosebush Pruning, esta incendiaria colección celebra la provocación. Estas visiones de exceso y decadencia nos adentran en el espejo deformante de la vida moderna y su imagen de la naturaleza humana.

Provocaciones contemporáneas

PROVOCACIONES CONTEMPORÁNEAS

Causando revuelo:

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CAUSANDO REVUELO:

Seleccionadas a mano por Christian Petzold

SELECCIONADAS A MANO POR CHRISTIAN PETZOLD

Con elegancia y sobriedad, el director alemán Christian Petzold reescribe historias nacionales y de género en películas enigmáticas, acechadas por los fantasmas del pasado. Como reflejo de sus innumerables influencias, el aclamado autor presenta una colección de tesoros cinematográficos.

Con elegancia y sobriedad, el director alemán Christian Petzold reescribe historias nacionales y de género en películas enigmáticas, acechadas por los fantasmas del pasado. Como reflejo de sus innumerables influencias, el aclamado autor presenta una colección de tesoros cinematográficos.

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El sonido es tan esencial para el cine que a veces ni siquiera lo notamos. Y, muy a menudo, esa es la marca de un diseño sonoro eficaz. Cuando sonido e imagen se entrelazan con precisión, crean una realidad fluida en la pantalla. Estas películas nos invitan no solo a creer en otros mundos, sino a sumergirnos en ellos sin reservas. Pero incluso cuando lo auditivo y lo visual trabajan en armonía, el sonido puede cobrar protagonismo. Algunas historias exigen una explosión ensordecedora, el repentino estallido de una canción o un zumbido persistente, grave e inquietante. A un siglo de la llegada del cine sonoro, resulta difícil imaginar el género de terror sin el sobresalto estruendoso que sacude ojos y oídos al mismo tiempo. Pero el cine es vasto y existen películas menos interesadas en la continuidad entre sonido e imagen. Cuando despiertan al espectador de la suspensión de la incredulidad, estas obras reflexivas y experimentales nos invitan a cuestionar sus propios mecanismos y formas de construcción.
Con películas que cubren todo tipo de frecuencia, desde documentales sobre instrumentistas famosos hasta thrillers que pondrán a prueba tus altavoces, esta melódica colección realza aquellas que hacen del sonido todo un acontecimiento.

El sonido es tan esencial para el cine que a veces ni siquiera lo notamos. Y, muy a menudo, esa es la marca de un diseño sonoro eficaz. Cuando sonido e imagen se entrelazan con precisión, crean una realidad fluida en la pantalla. Estas películas nos invitan no solo a creer en otros mundos, sino a sumergirnos en ellos sin reservas. Pero incluso cuando lo auditivo y lo visual trabajan en armonía, el sonido puede cobrar protagonismo. Algunas historias exigen una explosión ensordecedora, el repentino estallido de una canción o un zumbido persistente, grave e inquietante. A un siglo de la llegada del cine sonoro, resulta difícil imaginar el género de terror sin el sobresalto estruendoso que sacude ojos y oídos al mismo tiempo. Pero el cine es vasto y existen películas menos interesadas en la continuidad entre sonido e imagen. Cuando despiertan al espectador de la suspensión de la incredulidad, estas obras reflexivas y experimentales nos invitan a cuestionar sus propios mecanismos y formas de construcción.
Con películas que cubren todo tipo de frecuencia, desde documentales sobre instrumentistas famosos hasta thrillers que pondrán a prueba tus altavoces, esta melódica colección realza aquellas que hacen del sonido todo un acontecimiento.

En sintonía: Viajes sonoros

EN SINTONÍA: VIAJES SONOROS

El cine lleva 100 años sin prescindir del sonido, así que es hora de prestarle más atención. Con películas de todo tipo, desde documentales sobre instrumentistas famosos hasta thrillers que pondrán a prueba tus altavoces, esta melódica colección realza aquellas películas que destacan por su sonido.

El cine lleva 100 años sin prescindir del sonido, así que es hora de prestarle más atención. Con películas de todo tipo, desde documentales sobre instrumentistas famosos hasta thrillers que pondrán a prueba tus altavoces, esta melódica colección realza aquellas películas que destacan por su sonido.

Viajes sonoros

VIAJES SONOROS

En sintonía:

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EN SINTONÍA:

Ambición al desnudo: El cine de explotación de Stephanie Rothman

AMBICIÓN AL DESNUDO: EL CINE DE EXPLOTACIÓN DE STEPHANIE ROTHMAN

En el cine de explotación de los 70 de Stephanie Rothman las California Girls quieren divertirse y también una sociedad justa. Una política feminista sin ambigüedad, seductora, arriesgada y conscientemente juguetona altera las reglas del género. Y sus nuevas restauraciones dan brillo a sus placeres.

En el cine de explotación de los 70 de Stephanie Rothman las California Girls quieren divertirse y también una sociedad justa. Una política feminista sin ambigüedad, seductora, arriesgada y conscientemente juguetona altera las reglas del género. Y sus nuevas restauraciones dan brillo a sus placeres.

El cine de explotación de Stephanie Rothman

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EL CINE DE EXPLOTACIÓN DE STEPHANIE ROTHMAN

Ambición al desnudo:

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AMBICIÓN AL DESNUDO:

Cuando se trata de drama, pocos deportes compiten con el fútbol. La destreza de sus jugadores le ha valido el nombre de “el juego bonito”, pero su alcance va más allá de la cancha. Las lealtades y rivalidades se heredan de generación en generación, moldeando identidades y poniendo los nervios al límite. Las victorias heroicas, las derrotas trágicas y las redenciones legendarias le confieren una dimensión épica y mitológica. No es de extrañar que el cine haya encontrado en el fútbol un material inagotable, capaz de rivalizar con las grandes historias de amor en cuanto al desamor y con las mejores secuencias de acción en cuanto a la adrenalina. Pero las películas de esta colección se acercan al deporte desde ángulos inesperados, explorando su dimensión más humana. Lejos de los estadios colosales y sus luchas de gladiadores, cuentan historias íntimas de vidas ordinarias. A veces, las exhibiciones de talento dejan paso a las tensiones tras bambalinas. En Saipan (2025), la leyenda de la comedia Steve Coogan y el nominado al BAFTA Éanna Hardwicke recrean una de las rivalidades más célebres del fútbol. En otras ocasiones, las dinámicas entre vencedores y vencidos se trasladan a la vida y al amor. En las conmovedoras En el séptimo día (2017) y Mario (2018), las líneas blancas de la cancha evocan las fronteras sociales que limitan la vida fuera de ella; mientras que en Gregory’s Girl (1980), el balón se mueve al ritmo del corazón. Por su parte, What Do We See When We Look at the Sky? (2021), de Alexander Koberidze, encuentra extrañas resonancias entre la Copa del Mundo y un romance maldito. El juego del mundo es de todos. Su cine también.

Cuando se trata de drama, pocos deportes compiten con el fútbol. La destreza de sus jugadores le ha valido el nombre de &#8220;el juego bonito&#8221;, pero su alcance va más allá de la cancha. Las lealtades y rivalidades se heredan de generación en generación, moldeando identidades y poniendo los nervios al límite. Las victorias heroicas, las derrotas trágicas y las redenciones legendarias le confieren una dimensión épica y mitológica. No es de extrañar que el cine haya encontrado en el fútbol un material inagotable, capaz de rivalizar con las grandes historias de amor en cuanto al desamor y con las mejores secuencias de acción en cuanto a la adrenalina. Pero las películas de esta colección se acercan al deporte desde ángulos inesperados, explorando su dimensión más humana. Lejos de los estadios colosales y sus luchas de gladiadores, cuentan historias íntimas de vidas ordinarias. A veces, las exhibiciones de talento dejan paso a las tensiones tras bambalinas. En Saipan (2025), la leyenda de la comedia Steve Coogan y el nominado al BAFTA Éanna Hardwicke recrean una de las rivalidades más célebres del fútbol. En otras ocasiones, las dinámicas entre vencedores y vencidos se trasladan a la vida y al amor. En las conmovedoras En el séptimo día (2017) y Mario (2018), las líneas blancas de la cancha evocan las fronteras sociales que limitan la vida fuera de ella; mientras que en Gregory’s Girl (1980), el balón se mueve al ritmo del corazón. Por su parte, What Do We See When We Look at the Sky? (2021), de Alexander Koberidze, encuentra extrañas resonancias entre la Copa del Mundo y un romance maldito. El juego del mundo es de todos. Su cine también.

El deporte del mundo: El fútbol en la pantalla

EL DEPORTE DEL MUNDO: EL FÚTBOL EN LA PANTALLA

El fútbol ofrece espectáculo y relatos de proporciones míticas, pero más allá de los estadios existen historias más íntimas y humanas. Desde ángulos inesperados, estas conmovedoras e ingeniosas películas demuestran que el juego del mundo pertenece a todos.

El fútbol ofrece espectáculo y relatos de proporciones míticas, pero más allá de los estadios existen historias más íntimas y humanas. Desde ángulos inesperados, estas conmovedoras e ingeniosas películas demuestran que el juego del mundo pertenece a todos.

El fútbol en la pantalla

EL FÚTBOL EN LA PANTALLA

El deporte del mundo:

EL DEPORTE DEL MUNDO:

¿Cómo llegan a semejantes extremos de pensamiento los vagabundos sin nombre que recorren Reveries (2018), Reveries: Going Deeper (2020) y Reveries: The Mind Prison (2025)? Una de las protagonistas de la trilogía supone que podrían ser artistas o poetas, mientras especula que estos tipos rondan los 40 (o incluso los 50) años, con su cabello estilo rock indie y sus gafas oscuras que evocan la estética cool del cambio de milenio. Aunque parecen consumir poco más que nicotina y cafeína en esa meseta apacible de la mediana edad, alcanzan estados de lucidez cósmica impulsados por pura vibra y se convierten en los héroes alternativos de tres comedias que retuercen distintas formas de humor—de internet, musical y satírico—hasta volverlas surrealistas. Escrita junto con Matt Barats y Anthony Oberbeck, los comediantes y actores que interpretan a los desorientados guías de estas películas, cada entrega de la trilogía Reveries está dirigida por Graham Mason con una marcada excentricidad visual. Las imágenes se duplican, se distorsionan y parecen fallar, transformándose en abstracciones fluorescentes a medida que los protagonistas se pierden en las tres acepciones de la palabra “reverie”: ensoñaciones placenteras y caprichosas, piezas musicales instrumentales que evocan estados contemplativos y ocurrencias absurdamente descabelladas. Ya sea recorriendo carreteras, ciudades y playas de Estados Unidos o atrapados en habitaciones llenas de objetos extraños que disparan la imaginación por senderos insólitos, las cuasi filosofías de estos personajes aturdidos resuenan en la narración en off hasta desprenderse por completo de la realidad. Observaciones dignas de Seinfeld, como “Es genial cuando la gente se casa con alguien de la preparatoria”, pronto dan paso al absurdo: desde guiños deliciosamente ridículos a Lynch (con el susurro de “silencio”) hasta anécdotas que describen situaciones imposibles, muchas de las cuales harían estallar las leyes de la física. Para el desenlace, la propuesta se vuelve cada vez más meta. A esas alturas ya hemos acompañado a este dúo en fiestas y búnkeres, sintonizados con su peculiar frecuencia psicodélica; cuando finalmente quedan libres en paisajes desérticos, llevan la experiencia a territorios más alucinantes que nunca.

¿Cómo llegan a semejantes extremos de pensamiento los vagabundos sin nombre que recorren Reveries (2018), Reveries: Going Deeper (2020) y Reveries: The Mind Prison (2025)? Una de las protagonistas de la trilogía supone que podrían ser artistas o poetas, mientras especula que estos tipos rondan los 40 (o incluso los 50) años, con su cabello estilo rock indie y sus gafas oscuras que evocan la estética cool del cambio de milenio. Aunque parecen consumir poco más que nicotina y cafeína en esa meseta apacible de la mediana edad, alcanzan estados de lucidez cósmica impulsados por pura vibra y se convierten en los héroes alternativos de tres comedias que retuercen distintas formas de humor&#8212;de internet, musical y satírico&#8212;hasta volverlas surrealistas. Escrita junto con Matt Barats y Anthony Oberbeck, los comediantes y actores que interpretan a los desorientados guías de estas películas, cada entrega de la trilogía Reveries está dirigida por Graham Mason con una marcada excentricidad visual. Las imágenes se duplican, se distorsionan y parecen fallar, transformándose en abstracciones fluorescentes a medida que los protagonistas se pierden en las tres acepciones de la palabra &#8220;reverie&#8221;: ensoñaciones placenteras y caprichosas, piezas musicales instrumentales que evocan estados contemplativos y ocurrencias absurdamente descabelladas. Ya sea recorriendo carreteras, ciudades y playas de Estados Unidos o atrapados en habitaciones llenas de objetos extraños que disparan la imaginación por senderos insólitos, las cuasi filosofías de estos personajes aturdidos resuenan en la narración en off hasta desprenderse por completo de la realidad. Observaciones dignas de Seinfeld, como &#8220;Es genial cuando la gente se casa con alguien de la preparatoria&#8221;, pronto dan paso al absurdo: desde guiños deliciosamente ridículos a Lynch (con el susurro de &#8220;silencio&#8221;) hasta anécdotas que describen situaciones imposibles, muchas de las cuales harían estallar las leyes de la física. Para el desenlace, la propuesta se vuelve cada vez más meta. A esas alturas ya hemos acompañado a este dúo en fiestas y búnkeres, sintonizados con su peculiar frecuencia psicodélica; cuando finalmente quedan libres en paisajes desérticos, llevan la experiencia a territorios más alucinantes que nunca.

Otra dimensión: La trilogía "Reveries"

OTRA DIMENSIÓN: LA TRILOGÍA "REVERIES"

Entre abstracciones psicodélicas y delirios cósmicos, la trilogía “Reveries” de Graham Mason explora nuevas dimensiones del humor. Con Matt Barats y Anthony Oberbeck al frente, estas comedias surrealistas—satíricas, musicales y meta—son clásicos de culto en potencia.

Entre abstracciones psicodélicas y delirios cósmicos, la trilogía &#8220;Reveries&#8221; de Graham Mason explora nuevas dimensiones del humor. Con Matt Barats y Anthony Oberbeck al frente, estas comedias surrealistas&#8212;satíricas, musicales y meta&#8212;son clásicos de culto en potencia.

La trilogía "Reveries"

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LA TRILOGÍA "REVERIES"

Otra dimensión:

OTRA DIMENSIÓN:

Si pudiéramos viajar al pasado, este no se parecería en nada a lo que muestran los polvorientos volúmenes de los libros de historia, que durante tanto tiempo han marginalizado, o borrado completamente, las historias LGBTQIA+. Esa omisión refleja las experiencias de las comunidades queer a lo largo del mundo en las sociedades del pasado. Forzadas hacia las sombras por el statu quo, solo dejaron huellas, susurros y fragmentos de sí mismas. Los supuestos “hechos” del registro histórico no nos dicen mucho sobre cómo vivían y amaban. Ante este olvido, el cine queer tiene que echar mano de la creatividad para retratar tiempos pasados. Sin mapas que los guíen para encontrar verdades ocultas, los cineastas recurren a la imaginación desbocada y a la especulación. En algunos casos, incluso llega a ser necesario alterar un poco el continuo espacio-tiempo y aplicar algunas alteraciones lúdicas a la realidad misma. Después de todo, ¡no todas las lecciones de historia tienen que ser aburridas!
Para celebrar el Mes del Orgullo, sacamos a luz historias LGBTQIA+ con una colección dedicada a directores que reinterpretan el pasado desde una perspectiva queer. Desde deslumbrantes películas de época hasta ambiciosas narrativas intergeneracionales, sus películas rinden homenaje a experiencias queer que, de otro modo, podrían haberse perdido en el tiempo. Al dejar atrás la seriedad del cine de época y reemplazarla con una inventiva sin restricciones, estas obras viajan en el tiempo para llenar de vitalidad y picardía un pasado silenciado.

Si pudiéramos viajar al pasado, este no se parecería en nada a lo que muestran los polvorientos volúmenes de los libros de historia, que durante tanto tiempo han marginalizado, o borrado completamente, las historias LGBTQIA+. Esa omisión refleja las experiencias de las comunidades queer a lo largo del mundo en las sociedades del pasado. Forzadas hacia las sombras por el statu quo, solo dejaron huellas, susurros y fragmentos de sí mismas. Los supuestos &#8220;hechos&#8221; del registro histórico no nos dicen mucho sobre cómo vivían y amaban. Ante este olvido, el cine queer tiene que echar mano de la creatividad para retratar tiempos pasados. Sin mapas que los guíen para encontrar verdades ocultas, los cineastas recurren a la imaginación desbocada y a la especulación. En algunos casos, incluso llega a ser necesario alterar un poco el continuo espacio-tiempo y aplicar algunas alteraciones lúdicas a la realidad misma. Después de todo, ¡no todas las lecciones de historia tienen que ser aburridas!
Para celebrar el Mes del Orgullo, sacamos a luz historias LGBTQIA+ con una colección dedicada a directores que reinterpretan el pasado desde una perspectiva queer. Desde deslumbrantes películas de época hasta ambiciosas narrativas intergeneracionales, sus películas rinden homenaje a experiencias queer que, de otro modo, podrían haberse perdido en el tiempo. Al dejar atrás la seriedad del cine de época y reemplazarla con una inventiva sin restricciones, estas obras viajan en el tiempo para llenar de vitalidad y picardía un pasado silenciado.

Siempre estuvimos aquí: El cine queer en retrospectiva

SIEMPRE ESTUVIMOS AQUÍ: EL CINE QUEER EN RETROSPECTIVA

No toda lección de historia aburre. Esta colección especulativa rompe dogmas al viajar en el tiempo y sacar a luz historias queer que el tiempo olvidó. Dejando atrás la seriedad del drama de época, estas películas iconoclastas dan vida a un pasado silenciado, llenándolo de vitalidad y picardía.

No toda lección de historia aburre. Esta colección especulativa rompe dogmas al viajar en el tiempo y sacar a luz historias queer que el tiempo olvidó. Dejando atrás la seriedad del drama de época, estas películas iconoclastas dan vida a un pasado silenciado, llenándolo de vitalidad y picardía.

El cine queer en retrospectiva

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EL CINE QUEER EN RETROSPECTIVA

Siempre estuvimos aquí:

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SIEMPRE ESTUVIMOS AQUÍ:

Los trabajadores suelen llevar la peor parte. Para quienes ocupan los peldaños más bajos, ya sea cultivando los campos, trabajando en las fábricas o repartiendo comida pedida por una aplicación, poco ha cambiado con cada nueva etapa del capitalismo. Con una mirada mordaz, las películas de esta colección exploran las particularidades del trabajo contemporáneo, donde las malas condiciones laborales, los sueldos miserables y el tedio forman parte de la vida cotidiana del 99 por ciento de la población, mientras quienes están en la cima encuentran nuevas formas de hacerles la vida imposible. Al observar de frente los trabajos alienantes, frustrantes y, a veces, crueles de nuestro tiempo, estas películas se toman un respiro, marcan la hora de salida y se declaran en huelga. Algunos actores reflejan el ánimo de una población agotada con interpretaciones inquietas, mientras que relatos cargados de tensión muestran trabajadores al límite, empujados a tomar medidas desesperadas. Desde sátiras dadaístas hasta dramas excéntricos, estas películas retratan a sus personajes en un nuevo y sombrío mundo, donde el trabajo transcurre frente a pantallas, la automatización elimina empleos y la IA parece gobernarlo todo. Al dejar de lado esas rutinas mecanizadas para centrarse en las personas obligadas a vivirlas día tras día, estos directores nos recuerdan que incluso un mundo deshumanizado sigue necesitando seres humanos para funcionar.

Los trabajadores suelen llevar la peor parte. Para quienes ocupan los peldaños más bajos, ya sea cultivando los campos, trabajando en las fábricas o repartiendo comida pedida por una aplicación, poco ha cambiado con cada nueva etapa del capitalismo. Con una mirada mordaz, las películas de esta colección exploran las particularidades del trabajo contemporáneo, donde las malas condiciones laborales, los sueldos miserables y el tedio forman parte de la vida cotidiana del 99 por ciento de la población, mientras quienes están en la cima encuentran nuevas formas de hacerles la vida imposible. Al observar de frente los trabajos alienantes, frustrantes y, a veces, crueles de nuestro tiempo, estas películas se toman un respiro, marcan la hora de salida y se declaran en huelga. Algunos actores reflejan el ánimo de una población agotada con interpretaciones inquietas, mientras que relatos cargados de tensión muestran trabajadores al límite, empujados a tomar medidas desesperadas. Desde sátiras dadaístas hasta dramas excéntricos, estas películas retratan a sus personajes en un nuevo y sombrío mundo, donde el trabajo transcurre frente a pantallas, la automatización elimina empleos y la IA parece gobernarlo todo. Al dejar de lado esas rutinas mecanizadas para centrarse en las personas obligadas a vivirlas día tras día, estos directores nos recuerdan que incluso un mundo deshumanizado sigue necesitando seres humanos para funcionar.

El trabajo apesta, ya lo sé

EL TRABAJO APESTA, YA LO SÉ

Los trabajadores llevan la peor parte, mientras quienes están arriba encuentran nuevas formas de hacerles la vida imposible. Entre IA, apps y automatización, estas películas marcan la hora de salida, hacen huelga y nos recuerdan que incluso un mundo deshumanizado necesita personas para funcionar.

Los trabajadores llevan la peor parte, mientras quienes están arriba encuentran nuevas formas de hacerles la vida imposible. Entre IA, apps y automatización, estas películas marcan la hora de salida, hacen huelga y nos recuerdan que incluso un mundo deshumanizado necesita personas para funcionar.

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Elegidas por Mitski

ELEGIDAS POR MITSKI

Para celebrar la llegada de su primer película de concierto, Mitski: The Land (2025), invitamos a la cantautora nominada al Oscar® a explorar nuestro catálogo y elegir sus títulos favoritos. Con entusiasmo por el cine, Mitski nos guía por su ágil selección como curadora invitada.

Para celebrar la llegada de su primer película de concierto, Mitski: The Land (2025), invitamos a la cantautora nominada al Oscar® a explorar nuestro catálogo y elegir sus títulos favoritos. Con entusiasmo por el cine, Mitski nos guía por su ágil selección como curadora invitada.

Desde hace mucho tiempo, la presencia del cine africano en Cannes se caracteriza por una paradoja: en términos históricos, sus triunfos puntuales han sido contrarrestados por una infrarrepresentación persistente. Para los cineastas africanos, el camino hacia la Croisette suele estar plagado de innumerables obstáculos. Las persistentes barreras estructurales, que van desde la censura gubernamental y la falta de apoyos económicos hasta el control de acceso que ejercen las jerarquías de los festivales, siguen afectando todos los aspectos de la producción, la distribución y la exhibición. Al superar estas limitaciones constantes, los directores africanos han forjado sus propios lenguajes fílmicos, elaborando historias vitales arraigadas en la política y la historia locales. Al lidiar con el peso de la identidad poscolonial, muchas obras abordan cuestiones relacionadas con la memoria y la justicia, poniendo de relieve el legado económico y sociopolítico del imperialismo. Además de inspirarse en las tradiciones folclóricas y de la narración oral, otras obras extraen su sintaxis visual de la vida cotidiana, poniendo en primer plano la experiencia vivida con una inmediatez sorprendente. Esta amplia colección presenta hitos de la historia cinematográfica africana—incluyendo The Blazing Sun (1954), de Youssef Chahine, Monangambeee (1968), de Sarah Maldoror, y Touki Bouki (1973), de Djibril Diop Mambéty, junto con maravillas recientes como La sombra de mi padre (2025), de Akinola Davies Jr.—y ofrece una amplia colección panorámica que cubre décadas de un cine imprescindible y en constante evolución.

Desde hace mucho tiempo, la presencia del cine africano en Cannes se caracteriza por una paradoja: en términos históricos, sus triunfos puntuales han sido contrarrestados por una infrarrepresentación persistente. Para los cineastas africanos, el camino hacia la Croisette suele estar plagado de innumerables obstáculos. Las persistentes barreras estructurales, que van desde la censura gubernamental y la falta de apoyos económicos hasta el control de acceso que ejercen las jerarquías de los festivales, siguen afectando todos los aspectos de la producción, la distribución y la exhibición. Al superar estas limitaciones constantes, los directores africanos han forjado sus propios lenguajes fílmicos, elaborando historias vitales arraigadas en la política y la historia locales. Al lidiar con el peso de la identidad poscolonial, muchas obras abordan cuestiones relacionadas con la memoria y la justicia, poniendo de relieve el legado económico y sociopolítico del imperialismo. Además de inspirarse en las tradiciones folclóricas y de la narración oral, otras obras extraen su sintaxis visual de la vida cotidiana, poniendo en primer plano la experiencia vivida con una inmediatez sorprendente. Esta amplia colección presenta hitos de la historia cinematográfica africana&#8212;incluyendo The Blazing Sun (1954), de Youssef Chahine, Monangambeee (1968), de Sarah Maldoror, y Touki Bouki (1973), de Djibril Diop Mambéty, junto con maravillas recientes como La sombra de mi padre (2025), de Akinola Davies Jr.&#8212;y ofrece una amplia colección panorámica que cubre décadas de un cine imprescindible y en constante evolución.

El Cine africano en Cannes: Una panorámica

EL CINE AFRICANO EN CANNES: UNA PANORÁMICA

El cine africano en Cannes se caracteriza por una paradoja: sus triunfos puntuales son contrarrestados por una infrarrepresentación persistente. Con hitos históricos y las últimas maravillas del continente, ofrecemos un panorama de varias décadas de un cine imprescindible y en constante evolución.

El cine africano en Cannes se caracteriza por una paradoja: sus triunfos puntuales son contrarrestados por una infrarrepresentación persistente. Con hitos históricos y las últimas maravillas del continente, ofrecemos un panorama de varias décadas de un cine imprescindible y en constante evolución.

Una panorámica

UNA PANORÁMICA

El Cine africano en Cannes:

EL CINE AFRICANO EN CANNES:

Por ser intransigentes, incomprendidas o simplemente extrañas, algunas películas no triunfan en su momento. Pero dejando de lado rodajes complicados, críticas hostiles y el fracaso en taquilla, posiblemente se trate de futuros clásicos y haya llegado el momento de decir: esto es cine maravilloso.

Por ser intransigentes, incomprendidas o simplemente extrañas, algunas películas no triunfan en su momento. Pero dejando de lado rodajes complicados, críticas hostiles y el fracaso en taquilla, posiblemente se trate de futuros clásicos y haya llegado el momento de decir: esto es cine maravilloso.

Éxitos potenciales

ÉXITOS POTENCIALES

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«Se avecinan cambios», anticipa un personaje transitorio en My Father’s Shadow (2025). Habla desde las calles de Lagos en 1993, donde la esperanza de un nuevo gobierno democrático impregna el aire del verano: se acercan elecciones y Nigeria, en efecto, cambiará hacia el otoño. Pero Akinola Davies Jr., guionista y director de esta aclamada ópera prima, sitúa su película menos en la mirada experimentada de los adultos en edad de votar que en la de dos hermanos inocentes: uno de once años, el otro de ocho. Su comprensión de Nigeria madura junto con descubrimientos más íntimos: táctiles, personales y pequeños, pero no por ello menos profundos. Davies Jr. escribió esta película y su corto anterior, Lizard (2020), con su hermano, a partir de recuerdos compartidos de su infancia en Lagos, para evocar cómo es mirar el mundo con ojos aún no contaminados: de forma intuitiva, curiosa, a veces traviesa. (“Acabo de probar la cerveza”, sonríe un precoz aventurero). Como los niños de My Father’s Shadow, con su atención volátil y entusiasta, la niña observadora de Lizard está en sintonía con el mundo a ras de suelo: el reptil del título y otras pequeñas criaturas. En ambas películas, el uso de 16 mm aporta textura a caparazones de tortuga y exoesqueletos de hormigas, a las plumas de los polluelos, mientras la cámara móvil se mantiene cerca de los niños, descubriendo con ellos. Al alzar la mirada, aparecen cielos, minaretes y cuerpos adultos imponentes y vulnerables, llenos de secretos. A menudo, los protagonistas de Davies Jr. se internan en pasillos y trastiendas donde observan coqueteos para los que aún no tienen palabras. También se enfrentan, a una edad demasiado temprana, a la violencia. Pero pocos pueden elegir cuándo comienzan los dolores del crecimiento; aunque haya presentimientos que advierten del peligro, no hay forma de evadir lo inevitable.

«Se avecinan cambios», anticipa un personaje transitorio en My Father’s Shadow (2025). Habla desde las calles de Lagos en 1993, donde la esperanza de un nuevo gobierno democrático impregna el aire del verano: se acercan elecciones y Nigeria, en efecto, cambiará hacia el otoño. Pero Akinola Davies Jr., guionista y director de esta aclamada ópera prima, sitúa su película menos en la mirada experimentada de los adultos en edad de votar que en la de dos hermanos inocentes: uno de once años, el otro de ocho. Su comprensión de Nigeria madura junto con descubrimientos más íntimos: táctiles, personales y pequeños, pero no por ello menos profundos. Davies Jr. escribió esta película y su corto anterior, Lizard (2020), con su hermano, a partir de recuerdos compartidos de su infancia en Lagos, para evocar cómo es mirar el mundo con ojos aún no contaminados: de forma intuitiva, curiosa, a veces traviesa. (&#8220;Acabo de probar la cerveza&#8221;, sonríe un precoz aventurero). Como los niños de My Father’s Shadow, con su atención volátil y entusiasta, la niña observadora de Lizard está en sintonía con el mundo a ras de suelo: el reptil del título y otras pequeñas criaturas. En ambas películas, el uso de 16 mm aporta textura a caparazones de tortuga y exoesqueletos de hormigas, a las plumas de los polluelos, mientras la cámara móvil se mantiene cerca de los niños, descubriendo con ellos. Al alzar la mirada, aparecen cielos, minaretes y cuerpos adultos imponentes y vulnerables, llenos de secretos. A menudo, los protagonistas de Davies Jr. se internan en pasillos y trastiendas donde observan coqueteos para los que aún no tienen palabras. También se enfrentan, a una edad demasiado temprana, a la violencia. Pero pocos pueden elegir cuándo comienzan los dolores del crecimiento; aunque haya presentimientos que advierten del peligro, no hay forma de evadir lo inevitable.

Una edad temprana: Dos películas de Akinola Davies

UNA EDAD TEMPRANA: DOS PELÍCULAS DE AKINOLA DAVIES

Akinola Davies Jr. escribe con su hermano estas aclamadas historias de crecimiento que recuperan la mirada infantil ante el mundo. En un Lagos en transformación, cada relato entrelaza la historia de Nigeria con los descubrimientos íntimos de crecer.

Akinola Davies Jr. escribe con su hermano estas aclamadas historias de crecimiento que recuperan la mirada infantil ante el mundo. En un Lagos en transformación, cada relato entrelaza la historia de Nigeria con los descubrimientos íntimos de crecer.

Dos películas de Akinola Davies

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DOS PELÍCULAS DE AKINOLA DAVIES

Una edad temprana:

UNA EDAD TEMPRANA:

A lo largo de cinco capítulos intensos e inmersivos, esta obra esencial acompaña a jóvenes periodistas frente al terror y absurdo de la persecución estatal. Aclamada por la crítica, la épica de Julia Loktev retrata con gran intimidad la integridad y valentía de la resistencia.

A lo largo de cinco capítulos intensos e inmersivos, esta obra esencial acompaña a jóvenes periodistas frente al terror y absurdo de la persecución estatal. Aclamada por la crítica, la épica de Julia Loktev retrata con gran intimidad la integridad y valentía de la resistencia.

Mis amigos indeseables: Parte I - Último aire en Moscú

MIS AMIGOS INDESEABLES: PARTE I - ÚLTIMO AIRE EN MOSCÚ

A lo largo de cinco capítulos intensos e inmersivos, esta obra esencial de largo formato acompaña a jóvenes periodistas frente al terror y al absurdo de la persecución estatal. Aclamada por la crítica, la epopeya de Julia Loktev retrata con gran intimidad la integridad y valentía de la resistencia.

A lo largo de cinco capítulos intensos e inmersivos, esta obra esencial de largo formato acompaña a jóvenes periodistas frente al terror y al absurdo de la persecución estatal. Aclamada por la crítica, la epopeya de Julia Loktev retrata con gran intimidad la integridad y valentía de la resistencia.

Parte I - Último aire en Moscú

PARTE I - ÚLTIMO AIRE EN MOSCÚ

Mis amigos indeseables:

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MIS AMIGOS INDESEABLES:

La trilogía de Berlín de Ulrike Ottinger, que imagina la utopía mientras se deleita en el escándalo, es una procesión extática de provocaciones. Mujeres elegantes se emborrachan con un abandono salvaje, excesivo; autodenominados bichos raros rinden culto en altares escandalosamente blasfemos; y playboys adinerados se descarrían temerariamente. Con estas películas desenfrenadas, Ottinger desfila por los posmodernos años ’70 y ’80, arrojando una vertiginosa variedad de referencias culturales en el basurero de la historia, para luego bailar en medio de nuevas y surrealistas colisiones entre lo clásico y lo moderno, lo feo y lo bello, lo elevado y lo vulgar.
Se trata de un campo de juegos adulterado, un espectáculo carnavalesco, la fiesta más decadente… y todo el mundo está invitado. Ticket of No Return (1979) recoge a marginados y dipsómanos a medida que deambula con estilo alcoholizado por Berlín Occidental; por otra parte, la autora alemana camina como en una pasarela sobre las huellas librescas de los iconos queer Virginia Woolf y Oscar Wilde. Ella no le es fiel a las letras de las creaciones más famosas de estos escritores, sino a su espíritu. Freak Orlando (1981) viaja de forma vertiginosa a través del tiempo y de atuendos de género diferente (y celebra lo que los nazis, por el contrario, querían eliminar del mundo), mientras que Dorian Gray in the Mirror of the Yellow Press (1984) traslada los chismes de la alta sociedad a la ominosa nueva era de los medios de comunicación.
A lo largo de la trilogía, Ottinger reúne a estrellas afines procedentes de los círculos vanguardistas europeos. Mientras Delphine Seyrig y Magdalena Montezuma se labraban un nombre destacado en el cine de autor, desafiando las normas de la época, Tabea Blumenschein hacía lo propio en los bares de mala muerte de Berlín Occidental. Y cuando estas actrices colaboran con esta cineasta, llega el momento de pavonearse, tambalearse y deslumbrar; de empaparse en los placeres embriagadores y de alta graduación de la espectacular imaginación de Ottinger, materializada a través de maravillosos decorados de oropel brillante, papel de aluminio y celofán. Aquí se desata todo un infierno fabuloso… y también emocionantes futuros.

La trilogía de Berlín de Ulrike Ottinger, que imagina la utopía mientras se deleita en el escándalo, es una procesión extática de provocaciones. Mujeres elegantes se emborrachan con un abandono salvaje, excesivo; autodenominados bichos raros rinden culto en altares escandalosamente blasfemos; y playboys adinerados se descarrían temerariamente. Con estas películas desenfrenadas, Ottinger desfila por los posmodernos años &#8217;70 y &#8217;80, arrojando una vertiginosa variedad de referencias culturales en el basurero de la historia, para luego bailar en medio de nuevas y surrealistas colisiones entre lo clásico y lo moderno, lo feo y lo bello, lo elevado y lo vulgar.
Se trata de un campo de juegos adulterado, un espectáculo carnavalesco, la fiesta más decadente… y todo el mundo está invitado. Ticket of No Return (1979) recoge a marginados y dipsómanos a medida que deambula con estilo alcoholizado por Berlín Occidental; por otra parte, la autora alemana camina como en una pasarela sobre las huellas librescas de los iconos queer Virginia Woolf y Oscar Wilde. Ella no le es fiel a las letras de las creaciones más famosas de estos escritores, sino a su espíritu. Freak Orlando (1981) viaja de forma vertiginosa a través del tiempo y de atuendos de género diferente (y celebra lo que los nazis, por el contrario, querían eliminar del mundo), mientras que Dorian Gray in the Mirror of the Yellow Press (1984) traslada los chismes de la alta sociedad a la ominosa nueva era de los medios de comunicación.
A lo largo de la trilogía, Ottinger reúne a estrellas afines procedentes de los círculos vanguardistas europeos. Mientras Delphine Seyrig y Magdalena Montezuma se labraban un nombre destacado en el cine de autor, desafiando las normas de la época, Tabea Blumenschein hacía lo propio en los bares de mala muerte de Berlín Occidental. Y cuando estas actrices colaboran con esta cineasta, llega el momento de pavonearse, tambalearse y deslumbrar; de empaparse en los placeres embriagadores y de alta graduación de la espectacular imaginación de Ottinger, materializada a través de maravillosos decorados de oropel brillante, papel de aluminio y celofán. Aquí se desata todo un infierno fabuloso&#8230; y también emocionantes futuros.

El teatro del mundo: La trilogía de Berlín de Ulrike Ottinger

EL TEATRO DEL MUNDO: LA TRILOGÍA DE BERLÍN DE ULRIKE OTTINGER

Ulrike Ottinger adorna su proscenio fílmico con deseos utópicos e imagina mundos nuevos y desenfrenados a partir del medio vanguardista en Berlín Occidental. Queer, feminista y antifascista, esta trilogía ilumina la Alemania de la Guerra Fría colisionando lo feo, lo bello, lo elevado y lo popular.

Ulrike Ottinger adorna su proscenio fílmico con deseos utópicos e imagina mundos nuevos y desenfrenados a partir del medio vanguardista en Berlín Occidental. Queer, feminista y antifascista, esta trilogía ilumina la Alemania de la Guerra Fría colisionando lo feo, lo bello, lo elevado y lo popular.

La trilogía de Berlín de Ulrike Ottinger

LA TRILOGÍA DE BERLÍN DE ULRIKE OTTINGER

El teatro del mundo:

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EL TEATRO DEL MUNDO:

En 1972, Deep throat sacó la pornografía de las cabinas privadas y la llevó al gran público. En pleno apogeo de su notoriedad, Ralph Blumenthal, de The New York Times, describió cómo dominaba “las conversaciones durante la cena en los salones de Manhattan” y acuñó una expresión que perduraría: “En suma, ha engendrado una especie de porno chic”. Si Deep Throat dio de qué hablar, las películas hardcore que siguieron convirtieron aquel momento en un movimiento. Con amplia distribución en salas, estas cartas de amor al placer sensual anunciaban la despenalización del sexo explícito en el cine. Cuando The Devil in Miss Jones (1973), la secuela más lograda de Damiano, compitió de tú a tú con Hollywood en taquilla y Variety comparó su premisa con una obra existencialista francesa, la conquista fue total. Esta colección recoge la era del “porno chic” en su versión más descarada. Reúne obras que desdibujan las fronteras entre explotación, cine de autor y cine comercial, vinculando a figuras como Abel Ferrara y Stephanie Rothman con aclamados cineastas de otros países. Celebra no solo el sexo desordenado y vigoroso que plasmaron, sino también su ambición sin tapujos. Desde los vertiginosos planos aéreos de Harlot (1971) hasta la narración directa a cámara de 9 Lives of a Wet Pussy (1976), los alardes cinematográficos vuelven estas películas aún más vistosas. Entre política feminista sororal y humor desmitificador, sus directores aprovecharon la libertad para jugar, reivindicar y pulir su arte. Juntos redefinieron las posibilidades del cine erótico para nuevas pantallas y nuevas miradas. Sí, sí, el sexo es el plato fuerte, pero el diablo está en los detalles.

En 1972, Deep throat sacó la pornografía de las cabinas privadas y la llevó al gran público. En pleno apogeo de su notoriedad, Ralph Blumenthal, de The New York Times, describió cómo dominaba &#8220;las conversaciones durante la cena en los salones de Manhattan&#8221; y acuñó una expresión que perduraría: &#8220;En suma, ha engendrado una especie de porno chic&#8221;. Si Deep Throat dio de qué hablar, las películas hardcore que siguieron convirtieron aquel momento en un movimiento. Con amplia distribución en salas, estas cartas de amor al placer sensual anunciaban la despenalización del sexo explícito en el cine. Cuando The Devil in Miss Jones (1973), la secuela más lograda de Damiano, compitió de tú a tú con Hollywood en taquilla y Variety comparó su premisa con una obra existencialista francesa, la conquista fue total. Esta colección recoge la era del &#8220;porno chic&#8221; en su versión más descarada. Reúne obras que desdibujan las fronteras entre explotación, cine de autor y cine comercial, vinculando a figuras como Abel Ferrara y Stephanie Rothman con aclamados cineastas de otros países. Celebra no solo el sexo desordenado y vigoroso que plasmaron, sino también su ambición sin tapujos. Desde los vertiginosos planos aéreos de Harlot (1971) hasta la narración directa a cámara de 9 Lives of a Wet Pussy (1976), los alardes cinematográficos vuelven estas películas aún más vistosas. Entre política feminista sororal y humor desmitificador, sus directores aprovecharon la libertad para jugar, reivindicar y pulir su arte. Juntos redefinieron las posibilidades del cine erótico para nuevas pantallas y nuevas miradas. Sí, sí, el sexo es el plato fuerte, pero el diablo está en los detalles.

Porno chic: El sexo y el cine en los años setenta

PORNO CHIC: EL SEXO Y EL CINE EN LOS AÑOS SETENTA

En 1972, la sensacional Deep Throat inauguró la era del “porno chic”. Esta colección celebra la reinvención del cine erótico en los años 70 con obras que desdibujan las fronteras entre la explotación, el cine de autor y el cine comercial. Ven por el sexo; quédate por la ambición cinematográfica.

En 1972, la sensacional Deep Throat inauguró la era del &#8220;porno chic&#8221;. Esta colección celebra la reinvención del cine erótico en los años 70 con obras que desdibujan las fronteras entre la explotación, el cine de autor y el cine comercial. Ven por el sexo; quédate por la ambición cinematográfica.

El sexo y el cine en los años setenta

EL SEXO Y EL CINE EN LOS AÑOS SETENTA

Porno chic:

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PORNO CHIC:

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